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miércoles, 23 de septiembre de 2026
El «país dentro de un país» que cautivó a Darwin ( el que se apropió de los estudios del español Félix de Azara ).
sábado, 19 de septiembre de 2026
"Almirante ( RR ) Garat revela el verdadero papel de Sánchez en Ceuta: "Es culpable del envalentonamiento de Marruecos".
Bergantín-Goletaç
Juan Sebastián de Elcano
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Enlace al video del Almirante de la Flota, retirado Garat.
martes, 15 de septiembre de 2026
LA HISTORIA OCULTA DE LA PRIMERA VUELTA AL MUNDO: LOS DOS PRIMEROS FALLECIDOS. Magallanes vs. Veedor.
Bergantín-Goleta Juan Sebastián De Elcano
Buque de Instrucción de los caballeros alumnos GGMM de la ENM.
Marín. Pontevedra. España
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🌍⚓️ LA HISTORIA OCULTA DE LA PRIMERA VUELTA AL MUNDO: LOS DOS PRIMEROS FALLECIDOS.
⚓️🌍Cuando pensamos en la mítica expedición de Magallanes y Elcano, nos vienen a la mente tormentas, naufragios y combates. Sin embargo, los dos primeros tripulantes en morir de forma oficial no fallecieron por el escorbuto ni por el mar, sino debido a las estrictas leyes morales de la época.
Esta es la trágica historia de dos marineros italianos a bordo de la nao Victoria:
⚖️ El "pecado nefando" en alta mar.
A finales de 1519, mientras cruzaban el océano Atlántico, el maestre Antón Salomón y el joven grumete Antonio Ginovés fueron sorprendidos manteniendo relaciones sexuales. En el siglo XVI no existía el concepto de "homosexualidad" como identidad, sino que se juzgaba el acto bajo el término de sodomía o "pecado contra natura", duramente perseguido por la Iglesia y las leyes de Castilla.
📜 Un juicio documentado.
La burocracia de la expedición era impecable, y el suceso quedó registrado de puño y letra en los diarios de la ruta:
****"En martes, a veinte días del mes de diciembre de MDXIX [1519], fue sentenciado a muerte Antón Salamon, maestre que fue de la nao Victoria, por somético, la cual sentencia fue ejecutada este dicho día en el puerto de Santa Lucía [Río de Janeiro]"***
.Salomón fue ejecutado mediante estrangulamiento (garrote vil) nada más tocar tierra en Brasil.
💔 El trágico destino del segundo tripulante.
Al grumete Antonio Ginovés se le eximió de la pena de muerte por su juventud y menor rango, pero el estigma y el aislamiento absoluto a bordo resultaron insoportables. Unos meses después, el 27 de abril de 1520, frente a las costas patagónicas, los documentos oficiales registran su trágico final: se suicidó arrojándose al mar. Fueron las dos primeras bajas oficiales de la histórica travesía.
⚓️ ¿Una pena habitual o un capitán implacable?
Aunque las leyes reales dictaban la muerte para la sodomía, la realidad en los galeones era muy distinta. El hacinamiento de cientos de hombres solos durante años hacía que estas relaciones de desahogo fueran relativamente comunes, y la mayoría de capitanes solía "hacer la vista gorda" o aplicar castigos físicos menores (azotes) para no perder oficiales valiosos en mitad del océano.Incluso el veedor real, Juan de Cartagena, intentó mediar para evitar la ejecución.
Sin embargo, Fernando de Magallanes se mantuvo inflexible.
🤔
Magallanes era un hombre profundamente religioso, pero también un líder militar rodeado de tensiones y al borde de un motín generalizado.
¿Crees que aplicó esta pena máxima movido por su estricta fe y moralidad, o utilizó el trágico destino de estos dos marineros como un implacable golpe de autoridad para sembrar el miedo y demostrar que su palabra era ley absoluta a bordo?
Había Adelantados como Almirantes, pero también los había adelantados a su tiempo como algún Veedor:
Veedor Real Juan de Cartagena.
Veamos arriba con la expedición de Magallanes.
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Henri Matisse: entre la música y la moda. Mayte Delgado. Blog: Música y Bellas Artes.
Virgen María
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Publicado : 14 septiembre, 2026.
Autor : Mayte Delgado Oviedo ( Familia: Timoteo Arnáiz y San Rafael Arnáiz Barón ).
Etiquetas : alta costura, arte y música, Ballets Rusos, fauvismo, Henri Matisse, Igor Stravinsky, instrumentos musicales, La Blouse roumaine, Le Chant du rossignol, Matisse y la música, Música y pintura, moda y arte, Musée Matisse Nice, papiers découpés, pintura francesa, Serge Diaghilev, Yves Saint Laurent
Categorías: Música, Música y pintura
Hasta el 28 de septiembre de 2026 está abierta en el Musée Matisse de Niza la exposición Henri Matisse–Yves Saint Laurent. Le beau, la mode et le bonheur.
Reúne 160 obras, entre pinturas y dibujos de Matisse, vestidos de alta costura, tejidos, accesorios y documentos de Saint Laurent. La muestra está planteada como un diálogo entre ambos creadores.
Yves Saint Laurent admiró profundamente a Matisse, coleccionó su obra y trasladó a sus vestidos su universo de colores intensos, líneas sencillas, estampados, flores y recortes de papel. En sus colecciones de 1980, 1981 y 1982 aparecen varios modelos directamente inspirados en él. Uno de los ejemplos más claros parte de La Blouse roumaine de Matisse.
Henri Matisse, La Blouse roumaine, junto a un modelo de Yves Saint Laurent inspirado en la obra del pintor.
Matisse y su evolución como pintor
Henri Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, en 1869. Comenzó estudiando Derecho, pero durante una convalecencia empezó a pintar y decidió dedicarse al arte. En 1891 se trasladó a París, donde estudió primero en la Académie Julian y después en la École des Beaux-Arts.
Uno de sus principales maestros fue Gustave Moreau, que animaba a sus alumnos a buscar una expresión personal y a no limitarse a copiar la realidad. También conoció de cerca la obra de Jean-Baptiste-Camille Corot, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Paul Signac, todos ellos fundamentales en su evolución.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/6debd47a-8ad2-48c2-9093-f87973addb52.jpg?w=1024 Algunas de las influencias en la formación y evolución de Matisse:Corot, Moreau, Cézanne, Van Gogh y Signac.
Matisse recibió además influencias muy diversas de otras culturas. Le interesaron especialmente el arte islámico, los tejidos y cerámicas del norte de África, las miniaturas persas, el arte bizantino y las estampas japonesas. Sus viajes a Argelia, Marruecos, España e Italia ampliaron todavía más su interés por el color, la decoración y la luz.
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Henri Matisse, interior con figuras y decoración de inspiración oriental.
Al principio, Matisse pintó de una forma bastante tradicional, con tonos oscuros y una influencia todavía académica. A finales de la década de 1890 descubrió el impresionismo y, poco después, el neoimpresionismo de Signac y el uso de pequeños toques de color puro.
Hacia 1905 llegó su gran ruptura con la tradición. Junto a André Derain y Maurice de Vlaminck fue uno de los principales representantes del fauvismo, caracterizado por el uso de colores intensos, libres y poco naturalistas. Para Matisse, el color dejó de tener que imitar la realidad y empezó a convertirse en un medio de expresión por sí mismo.
Después del fauvismo su pintura se hizo más equilibrada y decorativa. Simplificó cada vez más las formas y dio enorme importancia a la línea, al ritmo y a las grandes superficies de color. En estos años realizó algunas de sus obras más conocidas, entre ellas La danse y La musique.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6478.jpg?w=778 La danza, Matisse, 1910
La música, Matisse, 1910
A partir de 1917, instalado durante largas temporadas en Niza, comenzó una etapa más íntima y luminosa. Pintó interiores, ventanas abiertas, flores, tejidos, mujeres y odaliscas, rodeadas muchas veces de alfombras, cortinas y objetos decorativos inspirados en el mundo oriental.
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Henri Matisse, Armonía en rojo (La habitación roja), 1908. Óleo sobre lienzo. Museo del Hermitage, San Petersburgo.
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Henri Matisse, Ventana abierta, Collioure (Open Window, Collioure), 1905. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art, Washington
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Henri Matisse, Odalisca sentada, con la rodilla izquierda doblada, fondo ornamental y tablero de ajedrez, 1928. Óleo sobre lienzo. The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection
En sus últimos años, debido a sus problemas de salud, desarrolló una técnica que acabaría siendo fundamental en su obra: los papeles recortados o papiers découpés. Matisse recortaba formas en papeles previamente pintados con gouache y las organizaba directamente sobre la pared. Con ellos consiguió llevar al extremo algo que había buscado durante toda su vida: la unión entre dibujo y color.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6617.jpg?w=640 Henri Matisse, La Gerbe (La gavilla), 1953. Gouache sobre papel recortado y pegado.
Murió en Niza en 1954.
Matisse y la música
La música ocupa un lugar importante en la obra de Matisse. Aparece en escenas familiares e interiores, en figuras que tocan el piano, el violín o instrumentos de cuerda, y también en composiciones donde la música se convierte en símbolo de armonía, ritmo y equilibrio.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/2543c673-61ad-43a8-bfcb-ac24029e4502.jpg?w=1024 La música en la obra de Matisse: interiores, instrumentos y danza.
Matisse e Yves Saint Laurent
Los textiles ocuparon un lugar esencial en el universo de Matisse desde muy joven. Nacido en una región de fuerte tradición textil, desarrolló pronto una especial sensibilidad por las telas, los motivos y los colores, y reunió fragmentos de tejidos y tapices que utilizó como fuente constante de inspiración. Este conjunto se convirtió en un auténtico laboratorio visual y táctil, situado en el centro de su trabajo artístico.
Matisse pintaba vestidos como parte de sus composiciones, fascinado por las telas, los estampados, los volúmenes y el color.
Décadas después, Saint Laurent observó esas pinturas e hizo el camino inverso. llevar el vestido pintado a la vida real.
En 1937 Matisse pinta “La Robe bleue reflétée dans la glace” y en 1981 Saint Laurent recupera la combinación de azul y blanco, el gran volumen y los volantes de esa pintura de Matisse para un vestido de alta costura.
Henri Matisse, El vestido azul reflejado en el espejo, 1937. Yves Saint Laurent, vestido de noche de la colección de alta costura otoño-invierno de 1981, inspirado en la obra de Matisse.
Esto nos recuerda mucho a lo que hoy vemos cuando una firma recrea un vestido que aparece en una pintura histórica.
Resulta curioso este viaje de ida y vuelta: Matisse convirtió los vestidos y tejidos que le fascinaban en pintura y, décadas después, Yves Saint Laurent devolvió algunos de aquellos vestidos pintados al mundo de la moda.
De forma semejante, la colección de obras de arte y la biblioteca que Yves Saint Laurent reunió junto a Pierre Bergé se convirtieron en una importante reserva de imágenes, ideas y referencias que alimentaron continuamente su universo creativo.
Matisse acumulaba telas y motivos y Saint Laurent arte, libros e imágenes.
Ballets RusosMatisse se interesó también por las artes escénicas. Diaghilev le encargó los decorados y el vestuario de Le Chant du rossignol de los Ballets Rusos. Para realizar los trajes, Matisse llegó a improvisarlos sobre maniquíes y recurrió a talleres de alta costura para su confección.
Diseño de Henri Matisse para las bailarinas portadoras de linternas de Le Chant du rossignol, ballet de los Ballets Rusos con música de Igor Stravinsky y coreografía de Léonide Massine, 1920
Stravinsky compuso primero la ópera Le Rossignol (El ruiseñor), basada en el cuento de Andersen. Después transformó parte de esa música en el poema sinfónico Le Chant du rossignol. Diaghilev lo convirtió en ballet para los Ballets Rusos y en 1920 encargó a Matisse los decorados y el vestuario.
Henri Matisse y Léonide Massine junto a uno de los trajes de Le Chant du rossignol, producción de los Ballets Rusos, Montecarlo, 1920. Fotografía de Joseph Enrietti. Victoria and Albert Museum, Londres
Los accesoriosSombreros, joyas, tejidos y adornos tienen un papel importante en muchas pinturas de Matisse. No son simples complementos: contribuyen a construir la composición, el color y el carácter de las figuras.
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Henri Matisse, La Plume blanche (La pluma blanca), 1919. El gran sombrero de plumas se convierte en uno de los elementos principales de la composición.
Saint Laurent compartió ese interés y convirtió también los accesorios en una parte esencial de la silueta.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6631.jpg?w=1024 Yves Saint Laurent, sombrero de ala ancha en rafia negra con aplicaciones florales, hacia la década de 1970.
La admiración de Saint Laurent por Matisse fue constante a lo largo de su vida. Él mismo lo expresó así: «Para mí, es “el pintor”, amo a Matisse por su vida tan tranquila y su búsqueda constante del color.»
Los papeles recortados
“Dibujar con tijeras. Recortar directamente en el color me recuerda la talla directa de los escultores.”En sus últimos años, Matisse desarrolló los célebres papiers découpés, recortando con tijeras papeles previamente pintados con gouache. Saint Laurent encontró en estas formas simplificadas y llenas de color una fuente directa de inspiración y las trasladó al tejido, especialmente en varios vestidos de noche de 1981.
Yves Saint Laurent, vestido de noche inspirado en Henri Matisse, colección de alta costura otoño-invierno de 1981. Las formas recortadas y los colores recuerdan los papiers découpés de Matisse. Musée Yves Saint Laurent Paris.
Henri Matisse, selección de papiers découpés realizados con papeles pintados con gouache y recortados, principalmente durante las décadas de 1940 y 1950.
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domingo, 13 de septiembre de 2026
U-47 Comandante Prien. Película rodada en un submarino español.
ELCANO
En dique seco de Navantia. San Fernando
Cuerpo de Intendencia ET
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La película mítica de la Segunda Guerra Mundial que se rodó en un submarino comprado ...
'U-47: Comandante Prien' vio la luz gracias a la armada española. U-47 Comandante Prien película submarino español comprado por Franco.
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sábado, 12 de septiembre de 2026
Homenaje víctimas 11S en Base Naval de Rota. Video Armada.
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Homenaje a las víctimas del 11S en España, en la Base Naval de Rota (Cádiz) - Heraldo de Aragón
El rey Felipe VI ha participado este viernes en la Base Naval de Rota (Cádiz) en el homenaje de militares españoles y estadounidenses a las ...
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¿Semana Naval en Ceuta? y Princesa Leonor en la Universidad. Videos.
Museo Naval Madrid
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Armada española desata críticas por video de la Semana Naval: "Vayan a Ceuta"
Armada española desata críticas en Instagram por video de la Semana Naval en Madrid: “Vayan a Ceuta”. El video promocional de la XVI Semana Naval ...
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La princesa Leonor de España llegó este lunes 7 de septiembre a la Universidad Carlos III ...
... Armada española para la formación— y más tarde cursó estudios en la Academia General del Aire. Video: Reuters | MILENIO | Facebook. Log in · Video.
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Los mosaicos del Mausoleo de Gala Placidia en Rávena. Mayte Delgado.
CEUTA es ESPAÑA
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Los mosaicos del Mausoleo de Gala Placidia en Rávena
URL : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/09/08/los-mosaicos-del-mausoleo-de-gala-placidia-en-ravena/Publicado : 8 septiembre, 2026.
Autor : Mayte Delgado Oviedo. ( Familia de Timoteo Arnáiz y de San Rafael Arnáiz Barón )
Etiquetas : arte paleocristiano, arte romano, Buen Pastor, Gala Placidia, iconografía cristiana, Mausoleo de Gala Placidia, mosaico paleocristiano, mosaicos de Rávena, Rávena, san Lorenzo, san Pedro y san Pablo, san Vicente de Zaragoza, siglo V, Tetramorfo
Categorías: Sin categoría
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Rávena, en la región italiana de Emilia-Romana, conserva uno de los conjuntos de mosaicos paleocristianos y bizantinos más extraordinarios del mundo. Entre sus monumentos más antiguos destaca el llamado Mausoleo de Gala Placidia, construido en la primera mitad del siglo V y célebre por la riqueza y el intenso colorido de los mosaicos que cubren prácticamente todo su interior.
Gala Placidia
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Gala Placidia (c. 390-450) fue una de las mujeres más destacadas del Imperio romano de Occidente durante la primera mitad del siglo V. Hija del emperador Teodosio I y medio hermana de los emperadores Honorio y Arcadio, su vida transcurrió en una época especialmente convulsa, marcada por las luchas de poder y las invasiones de los pueblos germánicos.
Tras ser capturada por los visigodos, se casó en el año 414 con su rey. Ataúlfo, convirtiéndose en reina consorte de los visigodos.
Después de la muerte de éste regresó al mundo romano y contrajo matrimonio con el general Constancio, que en 421 sería proclamado emperador como Constancio III. De esta unión nació el futuro emperador Valentiniano III.
Cuando Valentiniano III fue proclamado emperador de Occidente en 425, con tan solo seis años, Gala Placidia ejerció la regencia durante su minoría de edad, hasta 437. Profundamente cristiana, promovió y enriqueció diversas iglesias, especialmente en Rávena, ciudad estrechamente vinculada a su actividad política y religiosa.
El Mausoleo de Gala Placidia
El pequeño edificio, construido en ladrillo y con planta de cruz latina, fue levantado en la primera mitad del siglo V, probablemente por iniciativa de Gala Placidia. Originalmente formaba parte de un complejo relacionado con la iglesia de Santa Croce, de la que hoy se encuentra separado.
Su aspecto exterior resulta extraordinariamente sobrio: muros de ladrillo, pequeños vanos y una decoración arquitectónica muy sencilla. Nada permite imaginar desde fuera la riqueza que aguarda en el interior, donde las paredes y las bóvedas superiores se cubren con uno de los conjuntos de mosaicos más extraordinarios conservados de la Antigüedad tardía.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6103.jpg?w=612 Exterior del Mausoleo de Gala Placidia, construido en ladrillo en la primera mitad del siglo V.
Sección del Mausoleo de Gala Placidia, con la cúpula central, los brazos de la cruz y la disposición interior de los mosaicos y sarcófagos.
A pesar del nombre con el que ha pasado a la historia, no existe certeza de que estuviera destinado a servir como mausoleo de Gala Placidia. La emperatriz murió en Roma en el año 450 y según las fuentes, fue enterrada allí.
El edificio de Rávena conserva tres grandes sarcófagos de mármol cuya atribución tradicional a Gala Placidia y a miembros de su familia tampoco puede considerarse segura.
Vista interior del mausoleo, con los tres sarcófagos de mármol y la decoración musiva de los muros y bóvedas.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/782f90b5-c55d-4456-af24-e3b29cec5a40.png?w=683 Sarcófago de mármol situado bajo uno de los lunetos con ciervos.
El Buen Pastor
En uno de los lunetos aparece Cristo representado como el Buen Pastor, sentado entre seis ovejas en un paisaje de carácter paradisíaco. No se trata ya del joven pastor humilde de las primeras representaciones paleocristianas: viste una túnica dorada y un manto púrpura, colores asociados a la dignidad imperial, y sostiene una gran cruz. Las ovejas se disponen a ambos lados y vuelven la cabeza hacia él, reforzando la imagen de Cristo como guía y protector de los fieles.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6130-1.jpg?w=1024 Cristo como Buen Pastor, sentado entre seis ovejas. Mausoleo de Gala Placidia, siglo V.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6107.jpg?w=812 Detalle de Cristo como Buen Pastor.
La bóveda estrellada
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6099.jpg?w=680 Cúpula estrellada con la cruz dorada y los seres del Tetramorfo.
El interior está suntuosamente decorado; la parte inferior de los muros está revestida con paneles de mármol amarillento y la zona superior con mosaicos.
En el centro de la cúpula aparece una cruz latina dorada rodeada de estrellas sobre fondo azul índigo.
En las cuatro esquinas se representa el Tetramorfo, los seres del Apocalipsis tradicionalmente asociados a los evangelistas: el águila, el hombre alado, el león y el toro.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6206.jpg?w=1024 Detalles del Tetramorfo en las esquinas de la cúpula.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6168-1.jpg?w=1024 Decoración de una de las bóvedas laterales, con motivos vegetales, figuras masculinas y un crismón.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6151.jpg?w=581 Vista de la cúpula estrellada y de las parejas de apóstoles situadas en el cuerpo central.
En las cuatro caras del cuerpo central, bajo la cúpula, aparecen ocho apóstoles, representados por parejas a ambos lados de pequeñas ventanas de alabastro.
Pareja de apóstoles junto a una ventana de alabastro y un recipiente de agua.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/img_6155.jpg?w=793 San Pablo, a la izquierda, con un rollo, y san Pedro, a la derecha, identificado por la llave.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/e8226bf1-f71f-4da3-841e-06ddf931c1da.png?w=640 Vista del brazo de entrada, con el Buen Pastor y una pareja de apóstoles en el registro superior.
Las parejas de apóstoles aparecen acompañadas por palomas dispuestas junto a un recipiente de agua. En unas lunetas las aves se inclinan para beber, mientras que en otras mantienen la cabeza levantada, introduciendo una sutil alternancia dentro del programa decorativo.
Los ciervos
Los dos lunetos con ciervos se sitúan en los lados oriental y occidental del edificio. Están rodeados por una exuberante vegetación y vides que también aluden al paraíso celestial y a la eucaristía
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Ciervos acercándose al agua en uno de los lunetos laterales.Los ciervos que se acercan al agua evocan el Salmo 42: “Como el ciervo anhela las corrientes de agua, así mi alma te anhela a ti, oh Dios”.
En este contexto, los animales simbolizan al alma cristiana que busca a Dios y la gracia divina, asociada también al agua bautismal.
La escena de San Lorenzo… ¿o san Vicente?
Frente a la entrada aparece una de las escenas más enigmáticas del mausoleo. Tradicionalmente se ha identificado al personaje con san Lorenzo, junto a la parrilla de su martirio. A la izquierda se abre un armario donde se conservan los Evangelios de Mateo, Marcos, Lucas y Juan.
Sin embargo, esta interpretación no es unánime. Algunos investigadores han propuesto que podría tratarse de san Vicente de Zaragoza, cuyo martirio se relaciona, según la tradición, con la negativa a entregar los libros sagrados para que fueran destruidos.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/016e1139-9776-4051-9afe-7b56fa4c70ee-3.png?w=1024 Vista del brazo opuesto a la entrada, con la escena tradicionalmente identificada como San Lorenzo.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/bbf84d00-aa66-421a-abb8-1b543b995f0a.png?w=1024 Escena tradicionalmente identificada como san Lorenzo, junto a la parrilla y el armario con los cuatro Evangelios.
El pequeño edificio de ladrillo apenas permite imaginar desde el exterior la riqueza de su decoración. En su interior, estrellas, cruces, apóstoles, palomas, ciervos y escenas cristianas forman un conjunto en el que arquitectura, luz y mosaico parecen fundirse. Más de quince siglos después, los mosaicos del Mausoleo de Gala Placidia conservan intacta buena parte de su capacidad de asombro y siguen siendo uno de los testimonios más fascinantes del arte paleocristiano de Rávena.
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Música esculpida en la Catedral de Tudela. Mayte Delgado.
ESPAÑA con CEUTA
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Música esculpida en la Catedral de Tudela.
URL : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/09/11/musica-esculpida-en-la-catedral-de-tudela/Publicado : 11 septiembre, 2026.
Autor : Mayte Delgado Oviedo ( Familia de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón )
Etiquetas : arpa medieval, arte gótico, arte románico, ángeles músicos, órgano barroco, canon entero, capitel de los músicos, Catedral de Tudela, claustro de Tudela, iconografía musical, instrumentos medievales, música medieval, medio canon, misa de San Gregorio, olifantes, Puerta del Juicio, Rey David, sepulcro de los Villaespesa, trompas, Tudela
Categorías: Música
El edificio fue concebido como Colegiata de Santa María, y como tal figuró hasta 1784, año en el que fue elevada a la dignidad de Catedral por Pío VI a instancias de Carlos III.
Por su importancia histórico-artística fue declarada Monumento Nacional en 1884
Catedral de Tudela. Vista general del templo.
Historia del templo
Comenzó a construirse a finales del siglo XII, mientras la Mezquita ubicada en este espacio se destruía, así que parte de su arquitectura corresponde al estilo románico y según van avanzando las obras es el nuevo estilo gótico del siglo XIII quien se impone.
Concebida en un lenguaje protogótico, presenta influencias francesas del Languedoc y de la arquitectura cisterciense. De sus tres portadas, la más monumental es la Puerta del Juicio realizada entre finales del siglo XII y las primeras décadas del XIII y considerada una de las primeras manifestaciones de la escultura gótica en la Península Ibérica.
Sus ocho arquivoltas reúnen más de un centenar de dovelas dedicadas al Juicio Final. En este extraordinario repertorio escultórico aparecen también algunas representaciones musicales que permiten asomarnos al mundo sonoro de la Edad Media.
Puerta del Juicio de la Catedral de Tudela.
Una de las más conocidas es la del rey David tocando el arpa, situado en una de las claves de las arquivoltas. El instrumento tiene una forma claramente medieval y aparece colocado de una manera poco habitual, casi paralelo al cuerpo del músico.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/60a3e66e-3b92-4175-81b3-cdabcffa8df4.jpg?w=547 Rey David tocando el arpa. Puerta del Juicio.
También en esta zona se encuentran unos ángeles músicos, relacionados con el anuncio del Juicio Final. Llevan trompas u olifantes, instrumentos de viento de forma curva y sin orificios para los dedos.
Ángeles músicos con olifantes o trompas.
Junto a la portada aparece además una figura muy curiosa: un animal de aspecto asnal, descrito en la bibliografía de forma más general como un ungulado, que toca un instrumento de cuerda sin mango. Su identificación exacta no es segura, pero es una de las imágenes musicales más llamativas del conjunto.
Animal de aspecto asnal tocando un instrumento de cuerda.
La música en el claustro
El claustro de la Catedral de Tudela fue construido en la segunda mitad del siglo XII y conserva un gran número de capiteles decorados. Para entendernos mejor, una crujía es simplemente una de las galerías del claustro. En la galería occidental, es decir, en el lado oeste, se encuentra el llamado capitel de los músicos.
Claustro de la Catedral de Tudela.Capitel de los músicos, galería occidental
Este capitel está decorado por sus cuatro caras. En él aparecen varias figuras relacionadas con la música, aunque algunas están bastante deterioradas y no siempre es fácil reconocer los instrumentos.
En una de ellas aparece una figura que CENOBIUM identifica con cautela como posible rey David, de ahí el interrogante de la ficha: “Four musicians (David?)”. A la derecha puede adivinarse un arpa.
Posible rey David en el capitel de los músicos.
Entre los que se ven con mayor claridad hay dos instrumentos de cuerda diferentes. Uno tiene una caja triangular y en la bibliografía aparece con el nombre de “medio canon”. El otro tiene una forma más rectangular, se apoya sobre las rodillas y recibe el nombre de “canon entero”. Son nombres poco habituales hoy, por lo que resulta más sencillo entenderlos como distintos tipos de cítaras o salterios medievales.
Músicos con “canon entero” y “medio canon”.
El órgano de la CatedralLa presencia de la música en la catedral no termina en las esculturas medievales. Sobre el coro se encuentra el órgano barroco, construido en 1759. Su presencia recuerda que la música no solo quedó representada en piedra, sino que siguió formando parte de la vida litúrgica del templo durante siglos.
Órgano barroco de la Catedral de Tudela, construido en 1759.
El órgano de 1759 fue obra de Lucas de Tarazona, aprovechando en parte un instrumento anterior de José de Sesma.
El sepulcro de los Villaespesa
La música vuelve a aparecer en un contexto muy distinto dentro del sepulcro de los Villaespesa. En la escena de la misa de San Gregorio se distinguen clérigos y cantores con libros abiertos, mientras que en la parte superior aparecen ángeles vinculados al ámbito celestial.
Misa de San Gregorio y ángeles músicos en el sepulcro de los Villaespesa
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/98bcc2c9-e494-482a-8edd-b77344bf7827.png?w=1024 Un ángel con laúd y otro con doble trompeta
Aquí la música ya no se limita a los instrumentos: entra también el canto litúrgico, relacionado con la oración, la memoria del difunto y la salvación.
Conclusión
Más que simples adornos, estas imágenes son pequeñas ventanas abiertas al mundo sonoro del pasado. La Catedral de Tudela no solo conserva arquitectura y escultura: conserva también, grabada en piedra y madera, la memoria de una música que acompañó la oración, el juicio, la liturgia y la vida cotidiana.
Bibliografía
Alonso y García del Pulgar, Tomás; Napal Oteiza, Ángel; Aincia Caridad, Isabel. «Iconografía musical de Navarra: Merindad de Tudela». Cuadernos de Sección. Folklore, nº 3, Eusko Ikaskuntza, 1990, pp. 231-282. Es nuestra fuente principal para identificar los instrumentos musicales de Tudela.
D’Egry, Anne. «La escultura del claustro de la catedral de Tudela (Navarra)». Príncipe de Viana, nº 74-75, 1959, pp. 63-107.
García Gaínza, María Concepción et al. Catálogo Monumental de Navarra. I. Merindad de Tudela. Pamplona, Institución Príncipe de Viana, 1980.
Lozano López, Esther. «Imágenes e itinerarios visuales en los claustros románicos de Navarra: Santa María de Tudela como estudio de caso», en La imagen en el edificio románico. Espacios y discursos visuales. Aguilar de Campoo, Fundación Santa María la Real del Patrimonio Histórico, 2015, pp. 163-204.
Melero Moneo, Marisa. Escultura románica y del primer gótico de Tudela. Tudela, Centro Cultural Castel Ruiz, 1997.
Melero Moneo, Marisa. La catedral de Tudela en la Edad Media, siglos XII al XV. Vol. I: Arquitectura y escultura románica. Universitat Autònoma de Barcelona, 2008.
Mariño López, Beatriz. «Sicut in terra et in inferno: la portada del Juicio en Santa María de Tudela». Archivo Español de Arte, nº 67, 1989, pp. 157-168.
Recursos en línea consultados
CENOBIUM. Santa María at Tudela. Base de datos del Kunsthistorisches Institut in Florenz–Max-Planck-Institut y CNR. Fotografías y estudio de los capiteles del claustro, con texto de Esther Lozano López.
Universidad de Navarra, Cátedra de Patrimonio y Arte Navarro. Portada del Juicio de la Catedral de Tudela, itinerario de Santiaga Hidalgo.
Fernández Gracia, Ricardo. «Ángeles músicos en el Barroco navarro». Universidad de Navarra / Diario de Navarra, 23 de noviembre de 2015.
Ciudad Tudela. «Catedral de Santa María la Mayor de Tudela», con información histórica y material fotográfico.
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Stefan Szczesny : de los Neue Wilden al Mediterráneo. Mayte Delgado.
125 aniversario Patrona Armada Virgen del Carmen
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Stefan Szczesny : de los Neue Wilden al Mediterráneo
URL : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/09/05/stefan-szczesny-de-los-neue-wilden-al-mediterraneo/Publicado : 5 septiembre, 2026.
Autor : Mayte Delgado Oviedo ( Familia Arnáiz: con Timoteo Arnáiz y San Rafael Arnáiz Barón )
Etiquetas : arte alemán, arte contemporáneo, arte mediterráneo, cerámica, escultura, Estepona, Helmut Middendorf, Junge Wilde, Markus Oehlen, Neue Wilde, Nuevos Salvajes, pintura contemporánea, Rundschau Deutschland, Saint-Tropez, Stefan Szczesny
Categorías: Música y pintura
“Paintings are complex puzzles in the twilight world between abstraction and figuration».
«Las pinturas son complejos rompecabezas en ese territorio crepuscular entre la abstracción y la figuración». Stefan Szczesny
Wolfgang Stamp tocando el saxofón en el estudio de Stefan Szczesny en Saint-Tropez, rodeado de obras del artista.
Hace apenas unos días publiqué en este blog un artículo dedicado a Stefan Szczesny, después de descubrir casi por casualidad la extraordinaria presencia de su obra en el hotel donde pasé mis vacaciones en Estepona. Pinturas, cerámicas, esculturas y elementos decorativos aparecían por todas partes, integrados con tanta naturalidad en la arquitectura y los jardines que el hotel parecía haberse convertido en una gran obra de arte.
Desde entonces he seguido al artista en las redes sociales y he descubierto a un creador incansable. Szczesny continúa pintando, trabajando la cerámica, interviniendo grandes tinajas y llevando sus característicos desnudos, flores y formas vegetales a los soportes más diversos. Estos días, además, Saint-Tropez —lugar fundamental en su vida y en su obra— acoge la retrospectiva Szczesny – Les Années Saint-Tropez.
Pero detrás de ese universo mediterráneo, luminoso y lleno de color que hoy resulta tan reconocible hay una historia que yo desconocía. Stefan Szczesny perteneció a la generación de artistas que, a comienzos de los años ochenta, protagonizó en Alemania un apasionado regreso a la pintura: los llamados Neue Wilde o Junge Wilde, los «Nuevos Salvajes».
Grandes vasijas decoradas por Stefan Szczesny, integradas entre la exuberante vegetación mediterránea.
Stefan Szczesny y los Nuevos Salvajes
Stefan Szczesny nació en Múnich en 1951, en un ambiente estrechamente relacionado con la cultura. Hijo del escritor Gerhard Szczesny y de la productora teatral Martha Meuffels, estudió arte, historia del arte y filosofía en Múnich.
Durante sus años de formación se interesó por las tendencias artísticas dominantes en aquel momento, pero pronto comenzó a orientarse hacia una pintura figurativa, libre y expresiva.
Una estancia en París, seguida por sus experiencias en Florencia y Roma, resultaría decisiva. Szczesny descubrió en la tradición pictórica europea, en el cuerpo humano y, progresivamente, en la luz y la cultura mediterráneas, un camino muy diferente al de la abstracción y el conceptualismo de sus primeros años.
A finales de los años setenta y comienzos de los ochenta formó parte de una generación de jóvenes artistas alemanes empeñados en recuperar el placer de pintar: el color, la figura, el gesto, la pincelada visible y una libertad expresiva que parecía desafiar deliberadamente las tendencias dominantes.
Con los nombres Neue Wilde («Nuevos Salvajes») o Junge Wilde («Jóvenes Salvajes») se conoce a una generación de artistas que, a finales de los años setenta y comienzos de los ochenta, protagonizó en Alemania un decidido regreso a la pintura. Frente al predominio del arte conceptual y el minimalismo, reivindicaron la figura, el color intenso, la pincelada visible, el gesto y una expresión directa y personal. No formaron un grupo homogéneo ni siguieron un programa común, sino que surgieron distintos núcleos en ciudades como Berlín, Colonia, Hamburgo y Múnich.
En ese contexto, Szczesny desempeñó un papel especialmente activo. En 1981 organizó junto a Troels Wörsel la exposición Rundschau Deutschland, presentada primero en Múnich y después en Colonia, que reunió a numerosos representantes de aquella nueva pintura alemana.
Cubierta del catálogo de Rundschau Deutschland, 1981. La exposición, organizada por Stefan Szczesny y Troels Wörsel, reunió a numerosos artistas vinculados a la nueva pintura alemana de comienzos de los años ochenta.
Artistas participantes en Rundschau Deutschland I, Múnich, 1981, una de las exposiciones clave de la nueva pintura alemana de comienzos de los ochenta. Entre los retratados se encuentran Walter Dahn, Albert y Markus Oehlen, Martin Kippenberger, Andreas Schulze y Stefan Szczesny.
Helmut Middendorf, Electric Night, 1979. Una escena de baile nocturno que refleja la energía de la música alternativa y el lenguaje intenso y expresivo de los Neue Wilde.
Markus Oehlen, Vom Stuhl gefallener Akt mit Trompete. 1986. .
Markus Oehlen, Vom Stuhl gefallener Akt mit Trompete, 1986. Detalle.
El descubrimiento del Mediterráneo
El Mediterráneo fue transformando poco a poco la pintura de Stefan Szczesny. Sus estancias en la Villa Romana de Florencia, en 1980, y en la Villa Massimo de Roma, en 1982-83, reforzaron su interés por la tradición artística italiana y por una pintura cada vez más figurativa, libre y sensual.
A partir de entonces, la luz, el cuerpo humano, la vegetación y el color fueron adquiriendo un protagonismo creciente. Durante los años siguientes Szczesny pasó largas temporadas en el Mediterráneo y, ya en la década de 1990, también trabajó en el Caribe. Poco a poco fue tomando forma ese universo de desnudos, flores, palmeras y colores intensos que hoy hace inmediatamente reconocible su pintura.
Aunque durante algunos años mantuvo también un estudio en Nueva York, el Mediterráneo terminó imponiéndose como su territorio artístico y vital. En 2001 se trasladó a Saint-Tropez, donde encontró un escenario especialmente acorde con la luminosidad y la sensualidad de su obra.
Saint-Tropez
Stefan Szczesny. Pintura de su etapa de Saint-Tropez, en la que el desnudo femenino, la vegetación y el intenso color mediterráneo se convierten en protagonistas.
En 2001 se instaló en Saint-Tropez y, entre 2001 y 2002, vivió y trabajó también en Sevilla. Esa continua movilidad entre distintos paisajes y culturas parece formar parte de su manera de crear: Szczesny da la impresión de ser un artista verdaderamente incansable.
En Saint-Tropez, Szczesny encontró un paisaje especialmente afín a su pintura. La luz del sur de Francia, el mar, la exuberante vegetación y la vida al aire libre reforzaron un lenguaje que ya había ido construyendo durante sus estancias mediterráneas y caribeñas.
Desnudos femeninos, flores, palmeras y colores intensos se convirtieron en algunos de los elementos más reconocibles de su universo artístico.
Escultura de Stefan Szczesny integrada en el paisaje mediterráneo, entre palmeras y frente al mar.
La pintura más allá del lienzo
Cerámica, vidrio, esculturas, grandes tinajas, arquitectura, piscinas, jardines…
Grandes piezas de cerámica decoradas por Stefan Szczesny.
Cerámicas de Stefan Szczesny: figuras, desnudos y motivos vegetales trasladados a piezas de muy distintos formatos e integrados tanto en interiores como en jardines.
Dirigible Zeppelin NT intervenido por Stefan Szczesny para el proyecto de la isla de Mainau, 2007.
Automóvil intervenido por Stefan Szczesny con uno de sus característicos desnudos femeninos.
Szczesny en Estepona
En Estepona, Szczesny llevó especialmente lejos esa idea de integrar el arte en la arquitectura. A finales de los años noventa comenzó a trabajar en la intervención artística del Hotel Bahía, incorporando su lenguaje a murales, cerámicas, elementos decorativos y distintos espacios del edificio. La presencia de su obra no se limitaba a cuadros o esculturas: aparecía también en detalles tan inesperados como esta puerta de ducha.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/09/dbb9804b-e739-443c-b404-90a779e35b06.png?w=768
Detalle de una puerta de ducha intervenida con motivos diseñados por Stefan Szczesny en el antiguo Hotel Bahía de Estepona.
75 años, Saint-Tropez, septiembre de 2026, y sigue creando.
Después de décadas de viajes, exposiciones y proyectos en los soportes más inesperados, Stefan Szczesny continúa ampliando ese universo mediterráneo que convirtió en su lenguaje más reconocible.
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