domingo, 18 de octubre de 2026

Reed Organ.



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Reed Organ.
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/07/reed-organ/
Publicado  : 7 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : Apollo Lyre, armonio, armonio indio, armonio-libro, órganos, Bible regal, harmonium, historia de la música, instrumentos de teclado, instrumentos musicales, lengüetas libres, physharmonika, Reed organ, rocking melodeon, siglo XIX
Categorías: Música

Hoy he descubierto un instrumento muy original. Se trata de un órgano de lengüetas libres llamado reed organ.

Durante el siglo XIX adoptó formas y tamaños muy diversos, desde pequeños modelos domésticos hasta instrumentos de aspecto más cercano al órgano tradicional.

Y os preguntaréis como yo: ¿qué clase de instrumento es?, ¿cómo funciona?, ¿qué son exactamente las lengüetas libres?

Reed organ (Physharmonika), Alexander-François Debain, Francia, primera mitad del siglo XIX. The Metropolitan Museum of Art. Pequeño órgano de lengüetas libres accionado mediante un gran pedal que mueve el fuelle.

Empecemos por las lengüetas.Una lengüeta libre es una pequeña lámina metálica fijada por uno de sus extremos. Al pasar el aire, la parte libre vibra y produce el sonido.

Cada lengüeta está afinada para producir una nota determinada. Su altura depende de sus dimensiones, su peso y las características del metal con que está fabricada.

En términos sencillos: una lengüeta más larga y pesada tiende a vibrar más lentamente y producir un sonido más grave; una más corta y ligera vibra más rápidamente y produce una nota más aguda. El grosor y la rigidez del metal también influyen en la afinación.

Lengüeta libre de un armonio. La lámina metálica vibra al pasar el aire y produce el sonido.

¿Y cómo cogemos el aire y lo hacemos llegar hasta las lengüetas para que vibren?

Uno o varios fuelles toman el aire del exterior. El músico acciona los pedales que hacen mover los fuelles y hacen circular el aire por el interior del instrumento hasta las lengüetas

Reed organ. Los dos pedales accionan los fuelles que proporcionan el aire necesario para hacer vibrar las lengüetas.

Este instrumento tiene un juego de lengüetas libres de latón, colocadas bajo el teclado. Dos pedales accionan los fuelles que proporcionan el aire. Al pulsar una tecla, la propia parte posterior de la tecla actúa sobre una pequeña válvula, permitiendo que el aire llegue a la lengüeta correspondiente y esta comience a vibrar.

Harmonium de mediados del siglo XIX.

Los pedales, montados sobre una lira semejante a la de un piano, accionan los fuelles mediante unas curiosas cuerdas que quedan a la vista.

Harmonium, mediados del siglo XIX. F. Kaufmann & Sohn / Ph. I. Trayser & Co. The Metropolitan Museum of Art.

Diferencia entre aire impulsado y aire aspirado

No todos los órganos de lengüetas hacen circular el aire de la misma manera.

En unos, los fuelles empujan el aire hacia las lengüetas. Es el sistema característico del harmonium europeo: al accionar los pedales aumenta la presión del aire en el interior y este sale pasando por las lengüetas.

En otros ocurre justamente lo contrario: los fuelles extraen el aire del interior, creando una especie de vacío parcial. Entonces es el aire exterior el que entra en el instrumento atravesando las lengüetas. Este sistema de aspiración fue muy utilizado en los reed organs o American organs fabricados en Estados Unidos.

En ambos casos el resultado es el mismo: el aire atraviesa la lengüeta, la hace vibrar y produce el sonido.

A partir de este sencillo principio se construyeron instrumentos sorprendentemente diferentes.

Inventos extraños

Pequeña  physharmonika

Ya hemos conocido al principio la pequeña physharmonika, uno de los primeros instrumentos de teclado y lengüetas libres del siglo XIX.

Pero aquello no fue más que el comienzo.

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Reed organ (Physharmonika), Alexander-François Debain, Francia, primera mitad del siglo XIX. The Metropolitan Museum of Art. El gran pedal acciona el fuelle que proporciona el aire a las lengüetas.

Rockingmelodeon

A primera vista podría parecer un acordeón. Y no vamos muy desencaminados: el rocking melodeon también utiliza un fuelle y lengüetas libres. Pero su manera de producir el aire era bastante más peculiar. Se colocaba sobre una mesa y el intérprete tenía que balancear el propio instrumento arriba y abajo para accionar el fuelle. De ese movimiento procede precisamente su nombre: rocking melodeon. En lugar de un teclado convencional, algunos modelos llevaban dos filas de pequeños botones dispuestos como las teclas de un piano.

Rocking melodeon, siglo XIX. The Metropolitan Museum of Art. El instrumento se balanceaba arriba y abajo para accionar el fuelle.

Apollo lyre

Si el rocking melodeon resulta extraño, el Apollo Lyre no se queda atrás. Construido en Estados Unidos entre 1848 y 1853, adopta la elegante forma de una lira, aunque su sonido no procede de las cuerdas que aparenta tener, sino de lengüetas libres.

Las empuñaduras de la parte superior se movían para producir alternativamente presión y aspiración de aire, mientras las dos filas de pequeñas teclas permitían seleccionar las notas. Según el Metropolitan Museum, es el único ejemplar conocido de este tipo.

Apollo Lyre, 1848–1853, Estados Unidos. The Metropolitan Museum of Art. Instrumento de lengüetas libres.

Un antecedente: el Bible regal

La idea de esconder un instrumento dentro de algo parecido a un libro no nació en el siglo XIX. Ya existían pequeños órganos portátiles conocidos como Bible regals, que podían cerrarse formando una caja compacta. A diferencia del armonio-libro, no utilizaban lengüetas libres, sino pequeños tubos de órgano con lengüetas batientes.

El ejemplar de la fotografía es una reproducción alemana de principios del siglo XX basada en modelos antiguos.

Bible regal, principios del siglo XX, Alemania. The Metropolitan Museum of Art. Reproducción de un pequeño órgano portátil de un tipo conocido desde siglos anteriores.

Armonio-libro

A primera vista, cerrado, nadie diría que se trata de un instrumento musical. Este curioso armonio fue construido con la apariencia de varios grandes libros encuadernados. Al abrir la tapa aparece el teclado y, en su interior, se esconde el mecanismo de lengüetas libres.

El fuelle se accionaba mediante la palanca que sobresale por el lado izquierdo. En el interior de la tapa aparece además una estampa de la Cena de Emaús. Una curiosa mezcla de libro, objeto decorativo e instrumento musical.

Armonio-libro, siglo XIX, Francia o Alemania. The Metropolitan Museum of Art. Instrumento de lengüetas libres construido con apariencia de varios volúmenes encuadernados.

Armonio indio

El armonio tuvo una historia especialmente importante en la India. Allí se desarrolló una versión portátil y accionada a mano:  mientras una mano mueve el fuelle situado en la parte posterior, la otra toca el teclado.

Su pequeño tamaño y facilidad de transporte contribuyeron a su difusión, y hoy sigue utilizándose en diferentes tradiciones musicales de la India.

Armonio indio. Instrumento portátil de lengüetas libres cuyo fuelle se acciona con la mano.

Lo que empezó con una pequeña lengüeta metálica movida por el aire terminó dando lugar a una sorprendente familia de instrumentos. Algunos tuvieron una larga vida; otros quedaron como curiosidades de una época especialmente aficionada a inventar.

Después de descubrirlos, creo que ya nunca volveré a mirar un armonio de la misma manera.

Bibliografía y fuentes

The Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Colección de instrumentos musicales. Fichas y publicaciones sobre Reed Organ (Physharmonika), Harmonium, Rocking Melodeon, Apollo Lyre, Bible Regal y Book Harmonium.

The Metropolitan Museum of Art. Possibly More than You Wanted to Know about Book-Shaped Objects. Artículo de la colección del museo, con información sobre el armonio en forma de libro.

Museo Virtual del Órgano. «El Harmonium». Historia y características del armonio y de los instrumentos de lengüetas libres.

Soinuenea – Herri Musikaren Txokoa. «Harmonium / Armonium / Armonio». Información sobre el instrumento y su funcionamiento.

Wikimedia Commons. Single German Jubilate Harmonium Reed. Imagen de una lengüeta libre de armonio.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila y de San Luis de Gonzaga.
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Peggy Guggenheim y su “ Exhibition by 31 Women”.



Placa de Indulgencias parciales en iglesia de San Francisco
San Fernando. Cádiz
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Peggy Guggenheim y su “ Exhibition by 31 Women”
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/01/peggy-guggenheim-y-su-exhibition-by-31-women/
Publicado  : 1 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Categorías: Música

En la historia tradicional del arte, las mujeres artistas aparecen habitualmente como figuras secundarias, ya sea en calidad de musas, esposas o compañeras de sus colegas hombres.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7817.jpg?w=806

Con su lema «una obra al día», Peggy Guggenheim apostó por comprar obras de artistas como Kandinsky, Mondrian y Magritte. Más adelante, aconsejada por su amigo Marcel Duchamp, fue adentrándose cada vez más en el arte de vanguardia y formando una colección que llegaría a ser excepcional.

Y en enero de 1943, Peggy Guggenheim presentó una exposición que rompía una barrera: Exhibition by 31 Women, dedicada exclusivamente a mujeres artistas.

Se trataba de una de las primeras muestras en Estados Unidos en la que se exponía íntegramente la obra realizada por mujeres europeas y norteamericanas. La exposición sirvió para visibilizar no solo la aportación de treinta y un mujeres al arte de su época, sino también las redes de colaboración y conexiones que existían entre ellas y Peggy Guggenheim.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/414ed586-5780-4506-bc1e-fd5645b0498d-2.jpg?w=746 Las 31 artistas que participaron enExhibition by 31 Women, organizada por Peggy Guggenheim en Nueva York en 1943.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/adabae10-7dcc-4b56-b525-c4baa8e37631-1.jpg?w=1024

Peggy Guggenheim

Margaret “Peggy” Guggenheim nació en Nueva York en 1898, en el seno de una poderosa familia de negocios judía, los Guggenheim. Su padre, Benjamin Guggenheim, murió en el naufragio del Titanic en 1912, por lo que al alcanzar la mayoría de edad, Margaret recibió una importante herencia que invirtió en obras de arte a lo largo de su vida.

Su tío Solomon, creó en 1937 la Fundación Solomon R. Guggenheim ( https://es.wikipedia.org/wiki/Fundaci%C3%B3n_Solomon_R._Guggenheim )  para apoyar el desarrollo y difusión del arte moderno.

Peggy empezó trabajando en Nueva York en una librería vanguardista, pero en los años veinte se instaló en París, donde frecuentó los ambientes artísticos e intelectuales de la época y conoció a muchos de los protagonistas de las vanguardias.

A finales de los años treinta se trasladó a Londres y en 1938 abrió su primera galería, Guggenheim Jeune, en Cork Street. Aunque la galería solo permaneció abierta hasta 1939, fue allí donde Peggy comenzó realmente su carrera como galerista y coleccionista de arte moderno.

Artistas del círculo de Peggy Guggenheim en Nueva York. Entre ellos, Max Ernst, Marcel Duchamp, André Breton, Fernand Léger, Piet Mondrian, Frederick Kiesler y Leonora Carrington.

Su siguiente proyecto era crear un museo de arte moderno en Londres, pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial trastocó sus planes. Mientras Europa entraba en guerra, Peggy continuó comprando obras y formando la colección que marcaría el resto de su vida.

En 1941 regresó a Nueva York llevando consigo su colección. Un año después abrió Art of This Century, una galería completamente innovadora.

Peggy Guggenheim en su galería Art of This Century, Nueva York, octubre de 1942. Fotografía atribuida a Berenice Abbott

Art of This Century

Cuando Peggy Guggenheim regresó a Nueva York, quiso crear algo más que una galería donde colgar cuadros. En octubre de 1942 abrió Art of This Century, un espacio dedicado al arte moderno que pronto se convirtió en punto de encuentro entre los artistas europeos llegados a Estados Unidos y la nueva vanguardia norteamericana.

Para diseñarlo recurrió al arquitecto y diseñador Frederick Kiesler, que convirtió las salas en una experiencia casi teatral. Nada respondía a la idea tradicional de una galería de paredes blancas con cuadros alineados.

Interior de Art of This Century, la innovadora galería neoyorquina de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.

La Abstract Gallery tenía paredes de lona azul oscuro y las obras parecían flotar en el espacio, suspendidas mediante cables. En la Surrealist Gallery, los cuadros se separaban de los paneles curvos mediante brazos de madera, mientras que una iluminación especial contribuía a crear una atmósfera insólita. Hasta los muebles fueron diseñados por Kiesler como parte del conjunto.

Art of This Century contaba además con otros espacios destinados a exposiciones temporales. Uno de ellos era la Daylight Gallery, o Galería de Luz Natural.

Y precisamente allí, en enero de 1943, Peggy Guggenheim presentó una exposición que rompía otra barrera: Exhibition by 31 Women, una muestra que contribuyó a dar visibilidad a su trabajo en un mundo artístico todavía dominado mayoritariamente por los hombres.

“Art of This Century” permaneció abierta hasta 1947. Durante aquellos años Peggy apoyó también a numerosos artistas de la nueva vanguardia norteamericana, entre ellos Jackson Pollock, a quien organizó su primera exposición individual en 1943.

En 1947, Peggy cerró la galería y regresó a Europa. En 1948 fue invitada a presentar su colección en la Bienal de Venecia de 1948.

Bienal de Venecia 1948

Allí mostró conjuntamente obras de artistas europeos y norteamericanos que había ido coleccionando y apoyando durante años, dando a conocer en Europa algunas de las nuevas tendencias del arte estadounidense.

En 1949, Peggy compró el Palazzo Venier dei Leoni, un edificio inacabado del siglo XVIII, situado a lo largo del Canal Grande de Venecia, donde se instala de forma permanente.

La Colección Peggy Guggenheim en el Palazzo Venier dei Leoni, alberga una de las principales colecciones de arte europeo y americano de la primera mitad del siglo XX.

Exhibition by 31 Women

Las artistas elegidas por Peggy Guggenheim en 1943 para la muestra titulada “Exhibition by 31 Women”, formaban un grupo muy diverso. Había creadoras europeas y estadounidenses, algunas ya reconocidas y otras todavía poco conocidas, vinculadas en buena parte al surrealismo y a la abstracción.

La exposición permitía contemplarlas como artistas por derecho propio, y no como musas, esposas o compañeras de hombres famosos, una consideración que había condicionado durante mucho tiempo la manera de valorar el trabajo de muchas mujeres.

Tampoco existía un único estilo que las uniera. Cada una utilizó a su manera los lenguajes de la vanguardia y desarrolló una obra personal, desde el surrealismo y sus mundos imaginarios hasta distintas formas de abstracción.

Dorothea Tanning y Max Ernst

Entre las artistas seleccionadas estaba Dorothea Tanning. Durante los preparativos de la exposición, Max Ernst visitó su estudio para seleccionar obras y eligió Cumpleaños (Birthday) y Juego de niños (Children’s Games), ambas pintadas en 1942, dos obras bastante inquietantes, incluso para los surrealistas. Las dos serían expuestas en Exhibition by 31 Women en enero de 1943.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7845-1.jpg?w=1024 Dorothea Tanning, Birthday (Cumpleaños), 1942 y Children’s Games (Juego de niños), 1942. Seleccionadas para la exposición organizada por Peggy Guggenheim en 1943.

Aquella visita tuvo además consecuencias inesperadas: Tanning y Ernst iniciaron una relación. Ernst estaba entonces casado con Peggy Guggenheim; se separaría de ella y, en 1946, se casaría con Dorothea Tanning.

La negativa de Georgia O’Keeffe

No todas las artistas compartían la idea de reunir a las creadoras en una exposición exclusivamente femenina. Georgia O’Keeffe fue invitada, pero rechazó participar. Según recordaría Jimmy Ernst, su respuesta fue tajante: ella no quería ser considerada una «mujer pintora», sino simplemente una pintora. Su negativa plantea una cuestión que acompañaría durante décadas a muchas creadoras: si las exposiciones dedicadas exclusivamente a mujeres contribuían a darles la visibilidad que se les había negado o, por el contrario, perpetuaban su consideración como una categoría aparte.

¿Qué obras se expusieron?

Hoy no siempre es fácil saber qué obras concretas formaron parte de Exhibition by 31 Women. La lista publicada con motivo de la exposición no incluía fotografías y, en muchos casos, recogía títulos tan genéricos como Naturaleza muerta o Composición. Salvo algunas obras que han podido identificarse con seguridad, resulta por tanto difícil reconstruir exactamente lo que se mostró en 1943.

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La exposición tuvo bastante repercusión en la prensa. Las críticas, sin embargo, mezclaban la admiración con comentarios condescendientes e incluso abiertamente despectivos, reflejo de los prejuicios hacia las mujeres artistas que todavía dominaban buena parte del mundo cultural de la época.

Con el tiempo, Exhibition by 31 Women ha adquirido una especial importancia en la historia de las exposiciones dedicadas a mujeres artistas y constituye un antecedente significativo de las iniciativas que, décadas después, reclamarían una mayor visibilidad para su trabajo.

El “yo” como arte

Para estas mujeres la propia identidad, la apariencia, el disfraz, el autorretrato o incluso el cuerpo se convirtieron en material artístico.

Un caso especialmente curioso es el de Gypsy Rose Lee, que comenzó a actuar como stripper en espectáculos de burlesque y llegó después a los teatros de Broadway. Sus strip-teases alcanzaron un enorme éxito y contribuyeron a transformar el género.

Una de sus grandes novedades consistía en hablar mientras se desnudaba. De esta manera desviaba la atención del simple acto de quitarse la ropa y construía ante el público un personaje propio: moderno, divertido e ingenioso. Tampoco hablaba como cabría esperar en un espectáculo de burlesque, sino que utilizaba una dicción estudiadamente refinada, con un afectado acento de clase alta e incluso frases en francés.

Así, el espectáculo no dependía únicamente del desnudo: Gypsy Rose Lee convertía su propia personalidad en parte de la representación.

31 mujeres, 31 maneras de crear

Las artistas reunidas por Peggy Guggenheim formaban un grupo extraordinariamente diverso. Surrealismo, abstracción, figuración, experimentación con los objetos… Sus obras demuestran que no existía un «arte de mujeres», sino treinta y una maneras distintas de entender y practicar el arte.

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Bestiarios

Animales reales y fantásticos, criaturas híbridas y metamorfosis aparecen con frecuencia en la obra de varias de las artistas de Exhibition by 31 Women. En Leonora Carrington, Leonor Fini, Frida Kahlo o Julia Thecla, el animal puede ser compañero, alter ego o criatura fantástica. Caballos, aves, felinos y seres difíciles de clasificar pueblan unas obras en las que las fronteras entre lo humano y lo animal parecen desdibujarse.

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Lo extrañamente familiar

Una habitación, una puerta, una escalera o un objeto cotidiano pueden convertirse de pronto en algo desconcertante. Varias de estas artistas transformaron espacios domésticos y objetos familiares en escenarios ambiguos, donde lo real convive con el sueño. Dorothea Tanning es un magnífico ejemplo, pero también encontramos esa sensación de extrañeza en Kay Sage, Meret Oppenheim o Leonora Carrington.

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Kay Sage, de la serie The Minutes, 1943.

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Meret Oppenheim, Ma gouvernante – My Nurse – Mein Kindermädchen, 1936.

Oppenheim coloca un par de zapatos de tacón blancos, atados con cordel, sobre una bandeja, con los tacones adornados como si fueran los extremos de las patas de un ave preparada para servir. La presentación hace que el ojo piense inmediatamente: «esto es comida» antes de darse cuenta de que son zapatos.

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Meret Oppenheim, Bon appétit, Marcel! (La reina blanca), 1966–1978. Masa horneada con una espina de perdiz, vajilla, vino y tablero de ajedrez. Una irónica «comida» dedicada a Marcel Duchamp.

31 mujeres que volvieron a ser visibles

Exhibition by 31 Women duró apenas unas semanas, pero más de ochenta años después sigue despertando curiosidad. Algunas de aquellas artistas alcanzaron un enorme reconocimiento; otras quedaron durante décadas casi olvidadas y hoy vuelven poco a poco a ocupar su lugar en la historia del arte.

Quizá lo más interesante sea precisamente descubrirlas una a una. Detrás de aquella exposición no había un «arte de mujeres», sino treinta y una creadoras con historias, lenguajes y mundos propios.

Y eso es, al final, lo que hace tan fascinante volver a mirar aquella exposición de 1943.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila y de San Luis de Gonzaga.
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Ángeles músicos en la Catedral de Jaén.



Años Jubileos Franciscano y Perpetuo Socorro
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Ángeles músicos en la Catedral de Jaén
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/12/angeles-musicos-en-la-catedral-de-jaen/
Publicado  : 12 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Categorías: Música

Es increíble la cantidad de imágenes de Ángeles músicos que pueden encontrarse en cualquier rincón de esta Catedral.

Lo difícil es poder verlos y apreciarlos, Muchos están tan escondidos en las bóvedas de las capillas, coronando los órganos o entre las tallas de la sillería del coro, que para descubrirlos conviene saber dónde mirar.

Capilla de San Miguel de la Catedral de Jaén. Vista general de su exuberante decoración barroca, con la representación del arcángel en el centro y los ángeles músicos en los casetones de la bóveda.

Como la mayoría de las catedrales andaluzas, la primitiva catedral de Jaén se crea utilizando como tal la anterior mezquita musulmana.

Está situada en la plaza de Santa María,  el corazón histórico de Jaén, uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad. En ella se encuentran el Palacio Episcopal, el Ayuntamiento y, presidiendo el conjunto, la imponente Catedral de la Asunción.

La amplitud de la plaza permite contemplar la monumental fachada de la catedral, con sus dos grandes torres, sus columnas y su rica decoración escultórica. Durante siglos, este espacio ha sido escenario de celebraciones religiosas, procesiones y acontecimientos importantes de la vida de Jaén.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_8005.jpg?w=1024 Catedral de Jaén

Es la única catedral de España rodeada de balcones y guarda entre sus muros una gran representación de Ángeles músicos

Galería exterior de la Catedral de Jaén, con una de sus torres al fondo.

Vista de Jaén y de las montañas que rodean la ciudad desde los balcones de la catedral.

Ángeles  músicos

Bóveda del coro

La bóveda del coro, diseñada bajo la dirección del arquitecto José Gallego y Oviedo del Portal, presenta una rica decoración escultórica realizada por José de Medina y Anaya y Francisco Calvo hacia 1730.

En torno al relieve central de la Asunción de la Virgen aparecen ocho ángeles músicos: siete tocando distintos instrumentos y uno cantando con una partitura.

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Ángeles músicos de la bóveda del coro de la Catedral de Jaén (1730-1736). Vista general y detalles de los ocho ángeles: chirimía u oboe de tubo retorcido, cítara-cítola, violín, guitarra, bajón, cantor con partitura, oboe y violonchelo. Fotografías de Javier Marín y Arturo Aragón, reproducidas en el estudio de Javier Marín López, Entre pinceles, cinceles y acordes.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_8504.jpg?w=1024 Ángel cantor de la bóveda del coro. Detalle de la partitura con música de la antífona Exaltata est, dedicada a la Asunción de la Virgen. Fotografía de Arturo Aragón.

Capilla de San Miguel

La bóveda de la capilla de San Miguel está decorada con treinta y cinco casetones, pintados por José Carazo en 1759. Diez de ellos representan ángeles músicos: siete tocando distintos instrumentos —laúd, arpa, violonchelo, bajón, trompa, chirimía y violín— y tres cantando con partituras.

La capilla conserva también una serie de lienzos de ángeles y arcángeles del siglo XVII, atribuidos a Francisco Polanco.

Arcángeles en la capilla de San Miguel de la Catedral de Jaén. Arriba, dos representaciones de san Rafael; abajo, san Miguel y san Gabriel. Pinturas del siglo XVII atribuidas a Francisco Polanco.

Detalles de los ángeles músicos de la capilla de San Miguel, representados con diferentes instrumentos.

Sillería del coro

Tallada en el siglo XVI bajo el pontificado del obispo Alonso Suárez de la Fuente del Sauce por los artífices Gutierre Gierero, Jerónimo Quijano y Juan López de Velasco, incluye detalles iconográficos tallados en las tablas, sitiales y ménsulas de la sillería alta y baja que integran escenas bíblicas e historias de la salvación.

Sillería del coro de la Catedral de Jaén. Conjunto de tallas renacentistas del siglo XVI, ampliado durante el siglo XVIII.

El conjunto fue ampliado durante el siglo XVIII, añadiéndole dieciocho nuevos sitiales, entre otros elementos.

Esto explica la convivencia de elementos renacentistas y barrocos que vemos en las fotografías.

Dos figuras humanas sosteniendo un gran libro. Detalle de la sillería del coro, siglo XVI

Escena tallada en madera con motivos musicales. Detalle de la decoración de la sillería del coro.

https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_8570.jpg?w=768 Detalles de los reposamanos de la sillería del coro, dibujados por Francisco Cerezo Moreno. Figuras representadas con instrumentos musicales.

Órganos de la catedral

Marín López identifica nada menos que veintidós ángeles músicos en la caja del órgano del lado del Evangelio, cuyo diseño definitivo data de 1778-1780. Hay trompetistas, trompistas, flautistas y hasta un violonchelista.

Órgano de la Catedral de Jaén. Su monumental caja está decorada con esculturas de ángeles músicos.

Detalle de los ángeles músicos que coronan la caja del órgano, con grandes trompetas y otros instrumentos.

Las cajas barrocas de los órganos están coronadas por grandes ángeles trompetistas y otros ángeles músicos de menor tamaño. 

Vista general del coro de la Catedral de Jaén, con su sillería tallada y los órganos situados sobre ella.

Museo de Arte Sacro

Entre las obras del Museo de Arte Sacro se conserva un altorrelieve de la Adoración de los pastores, atribuido a Sebastián de Solís y fechado en la segunda mitad del siglo XVI.

Adoración de los pastores. Altorrelieve atribuido a Sebastián de Solís, segunda mitad del siglo XVI. Museo de Arte Sacro de la Catedral de Jaén.

La escena contiene dos curiosos detalles musicales: un ángel que toca un atabal, pequeño tambor de percusión, y un pastor gaitero. La presencia de estos músicos reúne en una misma representación la música celestial de los ángeles y la música popular de los pastores.

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Dos detalles musicales de la Adoración de los pastores: un ángel con atabal y un pastor gaitero.

Y todavía nos espera otra sorpresa en el Museo de Arte Sacro de la Catedral de Jaén: un hermoso relicario de Santa Cecilia, realizado por un artista florentino anónimo en el siglo XVIII.

El relicario, concebido como un pequeño retablo con puertas, contiene una delicada escena musical formada por figuras femeninas de bronce dorado, reunidas alrededor de un órgano. Una representación especialmente interesante por la variedad de instrumentos y por su relación con Santa Cecilia, patrona de la música.

Relicario de Santa Cecilia, anónimo florentino, vista general. Museo de Arte Sacro de la Catedral de Jaén, sala 2, s. XVIII.Fots. Arturo Aragón y Javier Marín

Detalle de las mujeres tañedoras en bronce dorado.

La música en la Catedral de Jaén

Siglo XVI: la capilla musical adquiere una organización más definida a partir de 1536. Entre sus maestros figura el célebre compositor Francisco Guerrero.

Siglo XVII: aparecen instrumentos como la vihuela de arco, el arpa y el violín. También destaca el organista Francisco Correa de Arauxo.

Siglo XVIII: la instrumentación evoluciona. La corneta, la chirimía y el sacabuche van dejando paso a otros instrumentos, como la trompa, el oboe y el contrabajo.

La música que resonaba en la catedral

La importancia de la música en la vida cotidiana de la catedral queda reflejada también en sus antiguos inventarios. El musicólogo Javier Marín López ha estudiado dos documentos de 1657 y 1772 que demuestran que los libros musicales, tanto de canto llano como de polifonía, no se guardaban exclusivamente en el archivo de música, sino que también estaban presentes en otras dependencias del templo.

Para acompañar nuestro recorrido por los ángeles músicos, nada mejor que escuchar una composición de Juan Manuel de la Puente (1692-1753), maestro de capilla de la Catedral de Jaén durante más de cuarenta años.

Su música nos acerca al ambiente sonoro de la catedral barroca, cuando las voces de los cantores se unían a violines, oboes, bajones, arpas y órganos.

En 2011 se cumplieron los trescientos años de la llegada a Jaén de Juan Manuel de Lapuente, que fue maestro de capilla de la Catedral de 1711 hasta su fallecimiento, en 1753.

Un proyecto de investigación de la Universidad de Jaén permitió recuperar y dar a conocer parte del patrimonio musical barroco de la catedral, especialmente las composiciones de Juan Manuel de la Puente. La iniciativa culminó con un concierto dedicado a su música, celebrado en la propia catedral, dentro del Festival Internacional de Música Antigua de Úbeda y Baeza.

Partitura manuscrita de Juan Manuel de la Puente (1692-1753), maestro de capilla de la Catedral de Jaén. Archivo de la Catedral de Jaén. Fotografía difundida por la Universidad de Jaén en 2011.

Escuchar música de Juan Manuel de la Puente ( https://youtu.be/dzy5R94mFKA )

Los estudios de musicología más recientes sobre este gran músico ponen unánimente de relieve su valor y la alta calidad de sus composiciones, recogidas en tres libros de música custodiados en el Archivo Histórico Diocesano de Jaén.

Los ángeles músicos de la Catedral de Jaén constituyen un extraordinario testimonio de la presencia de la música en el arte y en la vida religiosa a lo largo de los siglos. Entre pinturas, esculturas, tallas y órganos, sus instrumentos nos permiten imaginar los sonidos que acompañaron durante generaciones las celebraciones de este magnífico templo.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila y de San Luis de Gonzaga.
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La música en el Renacimiento: imágenes e instrumentos.



Virgen del Perpetuo Socorro
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La música en el Renacimiento: imágenes e instrumentos
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/17/la-musica-en-el-renacimiento-imagenes-e-instrumentos/
Publicado  : 17 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : #renacimiento, historia de la música, iconografía musical, instrumentos musicales, Maddalena Casulana, madrigales, música cortesana, música renacentista, Música y pintura, mujeres músicas, Paolo Veronés
Categorías: Música, Música y pintura

Durante el Renacimiento, la música encontró en la pintura y el grabado unos testigos excepcionales. Laúdes, violas, flautas, chirimías, órganos y tambores aparecen en manos de ángeles, cortesanos, músicos ambulantes y personajes populares. Gracias a estas imágenes podemos acercarnos no solo a los instrumentos de una época, sino también a la sociedad que los escuchaba.

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El Renacimiento: una nueva forma de entender el mundo

El Renacimiento fue un movimiento cultural que se desarrolló en Europa entre los siglos XV y XVI, caracterizado por la recuperación de los valores de la Antigüedad clásica y una profunda transformación del pensamiento. Fue un período complejo, en el que lo viejo y lo nuevo convivieron hasta dar paso a una nueva mentalidad.

Se planteó una forma diferente de contemplar el mundo y al ser humano. El humanismo otorgó mayor protagonismo al hombre, a sus capacidades y a su libertad de pensamiento, aunque la religión continuó desempeñando un papel fundamental en la sociedad.

En las artes se buscaba la belleza, la armonía y la proporción. El cuerpo humano y la naturaleza adquirieron una nueva importancia como fuentes de inspiración, mientras que el desarrollo de las ciencias y la difusión del conocimiento favorecieron una extraordinaria renovación cultural.

Italia fue uno de los principales focos de este movimiento. El Quattrocento, correspondiente al siglo XV, tuvo en Florencia uno de sus grandes centros artísticos, mientras que durante el Cinquecento, en el siglo XVI, destacaron especialmente Roma y Venecia. Esta última ciudad desempeñó también un papel fundamental en el desarrollo de la música.

La música experimentó un notable florecimiento. Estaba presente en las iglesias y monasterios, pero también en los castillos, palacios, fiestas y celebraciones populares. La protección de las cortes, el perfeccionamiento de los instrumentos y la aparición de la imprenta musical contribuyeron a su difusión.

La pintura, la escultura, los grabados y los tapices nos han dejado numerosos testimonios de aquella intensa actividad musical, permitiéndonos conocer los instrumentos, los intérpretes y las costumbres de una época de extraordinaria riqueza artística.

Los tapices flamencos alcanzaron un enorme prestigio en la Baja Edad Media y el Renacimiento. Los talleres de ciudades como Bruselas, Tournai, Arrás o Brujas produjeron piezas de gran riqueza técnica y decorativa, destinadas a cortes, palacios e iglesias de toda Europa.

El triunfo de la Eternidad, 1512-1515. Tapiz de la serie del castillo de Chaumont. La figura alegórica de la Eternidad aparece rodeada de ángeles músicos con órgano, corneta, flauta de pico, arpa y laúd. Cleveland Museum of Art, Ohio.

En muchos de ellos aparecen escenas cortesanas, jardines floridos, animales simbólicos y músicos.

La música en las fiestas y celebraciones

Durante el Renacimiento, la música acompañaba numerosos acontecimientos de la vida cotidiana: bodas, fiestas populares, procesiones y celebraciones públicas.

Danza de Augsburgo, 1500. Escena de la vida social y festiva de la ciudad, con personajes de diferentes estamentos y músicos situados en una tribuna elevada.

Las ciudades organizaban grandes festejos en los que participaban músicos, bailarines y personajes de distintas clases sociales. Los instrumentos de viento, por su potencia sonora, resultaban especialmente apropiados para las celebraciones al aire libre.

Grupo de músicos del Geschlechtertanz de Augsburgo, hacia 1520. Detalle de una agrupación de instrumentos de viento y percusión utilizada para acompañar las celebraciones.

La pintura nos ha dejado interesantes testimonios de estas costumbres. Gracias a sus imágenes podemos conocer no solo los instrumentos utilizados, sino también los espacios donde se interpretaba la música y el lugar que ocupaban los músicos en la sociedad.

Los músicos y sus instrumentos

La música también ocupaba un lugar importante en la vida privada. En palacios y casas acomodadas se reunían músicos profesionales y aficionados para interpretar composiciones en pequeños conjuntos. Los instrumentos de cuerda, viento y teclado podían combinarse, como muestra esta curiosa escena de 1590.

 En esta representación del  “Collegium musicum”, podemos distinguir una viola da gamba, instrumentos de cuerda pulsada, varios instrumentos de viento y un instrumento de teclado. Además, aparecen partituras sobre la mesa.

Los instrumentos musicales  del Renacimiento

Durante el Renacimiento se utilizaron una gran  variedad de instrumentos musicales. Los había de cuerda, viento, teclado y percusión, muchos de ellos construidos en diferentes tamaños para formar conjuntos de sonoridad homogénea.

Entre los instrumentos de cuerda destacaban el laúd, la vihuela y las violas; entre los de viento, las flautas, chirimías, cornetas y sacabuches. Los órganos y los instrumentos de teclado tenían también un lugar importante, mientras que tambores y panderetas acompañaban danzas y celebraciones.

Hans Burgkmair, carroza de músicos del Triunfo de Maximiliano I, hacia 1517 Xilografía .

La música en la vida cortesana

Durante el Renacimiento, las cortes de príncipes, reyes y grandes familias nobles se convirtieron en importantes centros de actividad artística y musical. La música acompañaba los banquetes, las recepciones, las bodas y las fiestas, pero también formaba parte de la vida cotidiana de los palacios. Los gobernantes mantenían a su servicio cantores e instrumentistas, y el conocimiento de la música era considerado una cualidad propia de una persona culta y refinada.

En Italia destacaron cortes como las de los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua y los Médici en Florencia, donde músicos, poetas y artistas encontraron protección y oportunidades para desarrollar su trabajo. La pintura de Paolo Veronés, Las bodas de Caná (1563), aunque representa un episodio bíblico, recrea el ambiente fastuoso de las celebraciones venecianas del siglo XVI, con un conjunto de músicos que ocupa un lugar destacado en la composición.

Paolo Veronés, Las bodas de Caná (1563). Detalle de los músicos. Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre, París.

Las mujeres y la música en el Renacimiento

Durante el Renacimiento, la educación musical formaba parte de la formación de muchas jóvenes pertenecientes a familias nobles y acomodadas. Saber cantar, tocar un instrumento y leer música se consideraba una muestra de cultura y refinamiento. El laúd, la espineta, el arpa y otros instrumentos eran habituales en los ambientes cortesanos y domésticos.

Sin embargo, la participación de las mujeres no se limitó a interpretar música en reuniones familiares. Algunas alcanzaron un notable reconocimiento como cantantes, instrumentistas y compositoras, aunque las oportunidades para desarrollar una actividad profesional eran mucho más restringidas que las de los hombres.

La pintura nos ha dejado numerosos testimonios de esta práctica musical. Un ejemplo especialmente hermoso es el Concierto femenino, atribuido al Maestro de las Medias Figuras Femeninas, en el que tres jóvenes aparecen reunidas alrededor de un libro de música. Una toca la flauta, otra el laúd y la tercera sostiene una hoja con notación musical, en una escena que evoca la música interpretada en los interiores acomodados del siglo XVI.

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Maestro de las Medias Figuras Femeninas, Tres músicas (hacia 1530). Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA).Maddalena Casulana, una compositora pionera

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Maddalena Casulana, Il primo libro de madrigali a quattro voci (1568). Portada de la edición veneciana de Girolamo Scotto. Reproducción difundida por el proyecto Digital Casulana, Universidad de Lorena.

Entre las mujeres que destacaron en la música del Renacimiento ocupa un lugar especial Maddalena Casulana (hacia 1544–hacia 1590), compositora, cantante e intérprete de laúd italiana, de cuya vida conocemos todavía pocos detalles.

En 1568 publicó en Venecia, en el taller de Girolamo Scotto, Il primo libro de madrigali a quattro voci, considerado el primer libro de composiciones musicales publicado por una mujer bajo su propio nombre. Los madrigales eran composiciones vocales polifónicas sobre textos poéticos, muy apreciadas en los ambientes cortesanos. Casulana publicó otros libros en 1570 y 1583.

Especialmente significativa es la dedicatoria de su primer libro a Isabel de Médici, fechada el 10 de abril de 1568. En ella, Casulana denuncia el «vano error de los hombres», que se consideran dueños de los dones del intelecto y creen que las mujeres no pueden compartirlos. Sus palabras constituyen una extraordinaria reivindicación de la capacidad artística femenina en pleno siglo XVI.

Su música llegó a importantes cortes europeas. Algunas de sus composiciones fueron interpretadas durante las celebraciones de la boda de Guillermo V de Baviera y Renata de Lorena, en Múnich, en 1568.

Actualmente, el proyecto Digital Casulana, dirigido por Catherine Deutsch en la Universidad de Lorena, estudia sus madrigales y trabaja en la reconstrucción de las voces de alto y bajo, que no se conservan en los ejemplares conocidos de su primer libro.

Más de cuatro siglos después, su música vuelve a estudiarse e interpretarse, recuperando el lugar que merece en la historia del Renacimiento.

Bibliografía y fuentes consultadas

● Andrés, Ramón. Diccionario de instrumentos musicales. Desde la Antigüedad a J. S. Bach. Península.

● Atlas, Allan W. La música del Renacimiento. Akal.

● Brown, Howard Mayer, y Louise K. Stein. Music in the Renaissance. Prentice Hall.

● Deutsch, Catherine. Digital Casulana. Proyecto de investigación y edición musical, Universidad de Lorena y plataforma CENHTOR.

● Cleveland Museum of Art. Colección digital.

● J. Paul Getty Museum. Colección digital.

● Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Colección digital.

● Musée du Louvre. Colecciones.

● ReRenaissance, Basilea. Materiales de divulgación e iconografía musical del Renacimiento.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila y de San Luis de Gonzaga.
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El regal: un pequeño órgano con grandes fuelles.



Inmaculada y San Francisco de Asís
San Fernando. Cádiz
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El regal: un pequeño órgano con grandes fuelles
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/09/el-regal-un-pequeno-organo-con-grandes-fuelles/
Publicado  : 9 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : órganos históricos, instrumentos de teclado, instrumentos musicales antiguos, lengüetas batientes, Maximiliano I, música barroca, música renacentista, Michael Praetorius, organología, Paul Hofhaimer, Regal, regal-libro
Categorías: Música, Música y pintura

Hay instrumentos que llaman la atención por su sonido y otros por su aspecto. El regal reúne las dos cosas. Fue muy popular durante el Renacimiento y el Barroco, tenía un sonido penetrante y nasal y, en algunos modelos, unos enormes fuelles que parecían alas. Incluso hubo ejemplares que podían plegarse hasta convertirse en algo parecido a una Biblia.

Regal-libro (Bible regal). Sur de Alemania, hacia 1700. Este pequeño órgano podía plegarse hasta adquirir la forma de un gran libro. Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas.

Regal-libro, atribuido a Núremberg, último cuarto del siglo XVI. Sus fuelles están decorados con ángeles músicos y, al plegarse, forman un estuche parecido a una Biblia. Procedente del convento de Berlaymont, Bruselas. Fotografía: Lempertz, subasta de 2021, lote 34.

Regal con los fuelles decorados con figuras de músicos. Un instrumento de teclado cuyo sonido se produce mediante lengüetas batientes.

Regal construido por los hermanos Oberlinger en 1988, siguiendo un instrumento de Michael Klotz de hacia 1600, conservado en el Museo Nacional Germánico de Núremberg. Colección Gebrüder Oberlinger.

Regal con dos fuelles de cuña, teclado y soporte de madera. Su teclado y sus dos fuelles forman un conjunto compacto que podía transportarse con relativa facilidad.

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https://youtu.be/-tsHoo_mS3Q?is=h3CuP0J8_xFABSxE

En este vídeo podemos escuchar el sonido del regal-libro y observar cómo se manejan sus fuelles

¿Qué son las lengüetas batientes?

El regal es un pequeño órgano —aunque algunos modelos podían alcanzar un tamaño considerable— cuyo sonido se produce mediante lengüetas batientes.

Estas lengüetas son pequeñas láminas metálicas que vibran cuando reciben el aire enviado por los fuelles. Se llaman batientes porque, al vibrar, golpean repetidamente los bordes de una abertura metálica.

El resultado es un sonido intenso, penetrante y algo nasal, muy característico del regal.

¿Y en qué se diferencian de las lengüetas libres?

En los armonios y otros instrumentos que ya conocemos, las lengüetas son libres: vibran pasando por una abertura sin golpear sus bordes.

En cambio, las del regal son batientes: chocan contra una pieza metálica mientras vibran.

Aunque ambos tipos de instrumentos utilizan aire y lengüetas, su funcionamiento y su sonido son diferentes.

El regal en la vida musical

Durante el Renacimiento y el Barroco, el regal se utilizó tanto en la música religiosa como en la profana. Podía escucharse en iglesias, capillas y cortes, y también acompañar a cantantes y otros instrumentos.

Su sonido, fuerte y algo nasal, era muy diferente del de los órganos de tubos de flautado más suave. Además, algunos modelos podían transportarse con relativa facilidad, lo que los hacía especialmente prácticos para determinados conjuntos musicales.

Los regales no eran todos iguales. Había instrumentos pequeños que podían colocarse sobre una mesa y otros de mayores dimensiones, con grandes fuelles que necesitaban una segunda persona para accionarlos.

El regal en el cortejo triunfal de Maximiliano I. Carroza de músicos perteneciente al Triumphzug, una serie de grabados concebida para glorificar al emperador. La escena muestra instrumentos de teclado utilizados en la música cortesana del Renacimiento. Diseño asociado al taller de Hans Burgkmair, siglo XVI.

El regal en la corte de Maximiliano I

Durante el Renacimiento, el regal también formó parte de la vida musical de las cortes europeas. Uno de sus grandes admiradores fue el emperador Maximiliano I, que contó entre sus músicos con el célebre organista Paul Hofhaimer (1459-1537).

En el Cortejo triunfal de Maximiliano I, una serie de grabados realizados a comienzos del siglo XVI, aparece una carroza dedicada al regal y al órgano positivo. Hofhaimer toca este último mientras un ayudante acciona los fuelles. Detrás se transportan otros instrumentos de teclado, entre ellos un regal.

Estos instrumentos podían resultar sorprendentes para quienes los escuchaban por primera vez. En 1505, unos visitantes de la corte imperial describieron un instrumento desconocido que parecía tocar sin tubos. Se trataba de un regal con los resonadores tan cortos que quedaban ocultos dentro de su caja.

También existió una curiosa variedad llamada Apfelregal, o «regal de manzana», cuyos resonadores redondeados recordaban pequeños frutos. Su sonido era más suave que el de otros regales.

Hans Weiditz. Maximiliano I asistiendo a misa, siglo XVI. En la parte inferior izquierda aparece el organista Paul Hofhaimer ante un Apfelregal, una variedad de regal cuyos resonadores tenían forma redondeada, semejante a pequeñas manzanas.

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Detalle del Apfelregal en el grabado de Hans Weiditz. Paul Hofhaimer aparece sentado ante el teclado. Los resonadores redondeados, semejantes a pequeñas manzanas, dieron nombre a esta curiosa variedad de regal.

Michael Praetorius. Syntagma Musicum, De Organographia (1619), lámina con un órgano positivo (1) y un regal (2).

Del regal a la regalía

El regal era un instrumento independiente, pero su sonido también encontró un lugar en los grandes órganos de las iglesias.

Para conseguirlo se incorporaron en los órganos unos conjuntos de tubos de lengüeta llamados registros de regalía. El organista podía seleccionarlos para obtener un sonido parecido al del regal, sin necesidad de utilizar otro instrumento.

En España encontramos referencias a estos registros desde finales del siglo XVI. En la catedral de Girona, por ejemplo, se documenta en 1593 la intención de añadir una regalía al órgano mayor.

El regal fue un instrumento singular: pequeño en ocasiones, sorprendentemente aparatoso en otras, y siempre reconocible por su sonido. Hoy apenas lo encontramos fuera de los museos y de los conjuntos especializados en música antigua, pero sus curiosos fuelles, sus teclados y su peculiar sonoridad nos recuerdan la extraordinaria imaginación de los constructores de instrumentos del pasado.

Bibliografía y fuentes consultadas

Praetorius, Michael. Syntagma musicum, vol. II: De organographia. Wolfenbüttel, 1619. Láminas de instrumentos musicales publicadas en Theatrum instrumentorum (1620). Biblioteca Digital de Baviera ( https://www.digitale-sammlungen.de/de/details/bsb00110986 ) ⁠ https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/09/el-regal-un-pequeno-organo-con-grandes-fuelles/  .

Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas (MIM). Bible regal. Regal-libro del sur de Alemania, hacia 1700, número de inventario 2703. Consultar la ficha del museo ( https://www.mim.be/en/collection-piece/bible-regal ) ⁠ https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/09/el-regal-un-pequeno-organo-con-grandes-fuelles/  .

Lempertz. A small portable organ, a so-called “bible regal” from Berlaymont Convent in Brussels. Subasta 1182, Colonia, 15 de julio de 2021, lote 34. Consultar la ficha y las fotografías ( https://www.lempertz.com/en/catalogues/lot/1182-1/34-a-small-portable-organ-a-so-called-bible-regal-from-berlaymont-convent-in-brussels.html ) ⁠ https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/09/el-regal-un-pequeno-organo-con-grandes-fuelles/  .

Bergstrøm, Ture. Bible Regal. Descripción de una reproducción de un regal-libro conservado en el Museo Danés de la Música, Copenhague. Ture Bergstrøms  ( https://bergstrom.dk/bible-regal/ )

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila y de San Luis de Gonzaga.
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Las Huelgas de Burgos: mujeres, poder, arte y música en la Edad Media.



Iglesia Vaticana Castrense de San Francisco de Asís
San Fernando. Cádiz
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Las Huelgas de Burgos: mujeres, poder, arte y música en la Edad Media
URL        : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/14/las-huelgas-de-burgos-mujeres-poder-arte-y-musica-en-la-edad-media/
Publicado  : 14 octubre, 2026 a las 4:38 pm
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : abadesas medievales, Alfonso VIII de Castilla, arte medieval, Beato de Las Huelgas, Códice de Las Huelgas, Las Huelgas de Burgos, Leonor de Plantagenet, manuscritos iluminados, música medieval, Monasterio de Las Huelgas, mujeres en la Edad Media, polifonía medieval
Categorías: Música

A las afueras de Burgos se levanta uno de los conjuntos monásticos más extraordinarios de la España medieval: el Monasterio de Santa María la Real de las Huelgas.

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Real Monasterio de Santa María la Real de Las Huelgas, Burgos. Vista de la iglesia y su torre campanario.

Fundado en 1187 por el rey Alfonso VIII de Castilla y su esposa, Leonor de Plantagenet, fue concebido como un monasterio femenino de la orden del Císter, pero pronto adquirió una importancia que trascendió ampliamente su función religiosa.

Alfonso VIII de Castilla y Leonor de Plantagenet, fundadores del monasterio de Las Huelgas, representados en una miniatura del Tumbo Menor de Castilla, siglo XIII.

Sus abadesas llegaron a ejercer una autoridad excepcional, administrando extensos territorios y disfrutando de privilegios poco habituales para las mujeres de su tiempo. Entre sus muros vivieron religiosas, infantas y damas de la nobleza, mientras que su iglesia se convirtió en lugar de enterramiento de miembros de la familia real castellana.

Sepulcro de Alfonso VIII de Castilla y de Leonor de Plantagenet.

Galería del Monasterio de Santa María la Real de las Huelgas, Burgos, con sepulcros medievales de miembros de la realeza y la nobleza castellana

El monasterio conserva, además, un patrimonio artístico de extraordinario interés, en el que conviven elementos románicos, góticos y de tradición islámica, junto con sepulcros, tejidos y objetos que permiten acercarnos a la vida de la corte medieval.

Y entre sus tesoros destaca uno especialmente importante para la historia de la música: el Códice de Las Huelgas, una valiosa colección de composiciones medievales que nos acerca al universo sonoro de aquellos siglos.

El Beato de Las Huelgas: un tesoro de la miniatura medieval

Entre los manuscritos vinculados al monasterio destaca el Beato de Las Huelgas, realizado hacia 1220 y conservado actualmente en la Morgan Library & Museum de Nueva York (MS M.429).

Sus espléndidas miniaturas ilustran el Comentario al Apocalipsis de Beato de Liébana. Se ha planteado que su promotora pudo ser la reina Berenguela de Castilla o la abadesa Sancha García, aunque su identidad no se conoce con certeza.

Esta obra constituye otro testimonio del esplendor cultural de Las Huelgas, donde la espiritualidad, el patrocinio femenino y las artes encontraron un espacio privilegiado.

La historia de Las Huelgas es, por tanto, mucho más que la historia de un monasterio. Es también una historia de mujeres, de poder, de arte y de música.

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Beato de Las Huelgas, hacia 1220. Los cuatro jinetes del Apocalipsis. The Morgan Library & Museum, Nueva York, MS M.429.

El Códice de Las Huelgas: un manuscrito musical excepcional

En aquel poderoso monasterio cisterciense, protegido por la monarquía y estrechamente vinculado a la historia de Castilla, la música ocupó un lugar destacado. El canto litúrgico, la formación musical de las religiosas, el extraordinario Códice de Las Huelgas y, posteriormente, la actividad de sus capillas musicales y sus órganos permiten recorrer una historia de más de ocho siglos en la que las mujeres desempeñaron un papel fundamental.

El Códice de Las Huelgas es uno de los testimonios más importantes de la música medieval española y europea. Reúne 186 composiciones, de las cuales 179 contienen música, pertenecientes a un repertorio desarrollado entre los siglos XII y XIV.

El manuscrito fue copiado principalmente hacia 1325, probablemente durante el abadiato de María González de Agüero. Su elaboración se ha relacionado con un copista llamado Johannes Roderici (Juan Rodríguez), aunque su intervención exacta no está completamente esclarecida.

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Códice de Las Huelgas, siglos XIII-XIV. Vista del manuscrito musical y detalle de su notación medieval. Monasterio de Santa María la Real de Las Huelgas, Burgos.

Sus aproximadamente 170 folios conservan una extraordinaria variedad de formas musicales: organa, motetes, conductus, secuencias y cantos relacionados con la liturgia. Aunque contiene piezas monódicas, escritas para una sola línea melódica, destaca especialmente por su riqueza polifónica, con composiciones a dos, tres e incluso cuatro voces.

Entre sus obras más singulares figura un ejercicio de solfeo a dos voces, conocido por las palabras Fa fa mi fa – Ut re mi ut. La utilización de las sílabas de la solmisación medieval y su texto dirigido a unas religiosas ofrecen un testimonio especialmente sugerente de la relación entre el canto, su aprendizaje y las comunidades femeninas.

Escuchar Belial vocatur ( https://youtu.be/ejbtHKH3sG0?is=NrnlBwAUalQPxr0g )

El redescubrimiento del códice

El manuscrito fue dado a conocer a los estudiosos modernos en 1904 por los benedictinos Casiano Rojo y Luciano Serrano, del monasterio de Santo Domingo de Silos. Posteriormente, el musicólogo Higinio Anglés publicó en 1931 una importante edición y transcripción de su repertorio.

Su estudio contribuyó decisivamente a reconocer la riqueza y originalidad de la polifonía medieval cultivada en la península ibérica.

Aunque no podemos asegurar que todas las composiciones fueran creadas o interpretadas exclusivamente por las religiosas de Las Huelgas, la conservación del manuscrito en este monasterio femenino constituye un testimonio excepcional de su importancia cultural y musical.

Las mujeres de Las Huelgas: reinas, infantas, abadesas y damas

Desde su fundación, el Monasterio de Santa María la Real de las Huelgas estuvo estrechamente vinculado a las mujeres de la monarquía castellana. No fue solamente una comunidad de religiosas dedicadas a la oración, sino también un espacio de influencia política, administración de propiedades, educación religiosa y protección de mujeres pertenecientes a la realeza y a la nobleza.

Leonor de Plantagenet: una reina decisiva

Hija de Enrique II de Inglaterra y Leonor de Aquitania, Leonor de Plantagenet llegó a Castilla en 1170 para casarse con Alfonso VIII.

Leonor de Plantagenet, reina de Castilla. Detalle de la miniatura del Tumbo Menor de Castilla, siglo XIII, en la que aparece junto a Alfonso VIII.

Su participación en la fundación de Las Huelgas fue mucho más importante de lo que podría sugerir su presencia junto al rey en los documentos oficiales. Las crónicas medievales atribuyen a su insistencia un papel decisivo en el nacimiento del monasterio.

La nueva institución ofrecía a las mujeres de la familia real un espacio de vida religiosa y protección, al tiempo que reforzaba el prestigio de la dinastía castellana. También estaba destinada a convertirse en panteón de los monarcas y sus descendientes.

Constanza de Castilla, la infanta conocida como «la Santa»

Hija de Alfonso VIII y Leonor de Plantagenet, la infanta Constanza de Castilla (hacia 1199-1242) estuvo estrechamente vinculada al monasterio de Las Huelgas, donde abrazó la vida religiosa.

Conocida como Constanza la Santa, destacó por su dedicación a las religiosas enfermas y por una vida que las fuentes históricas describen como ejemplar.

Aunque algunos autores le atribuyeron el cargo de abadesa, la Real Academia de la Historia señala que no existen pruebas suficientes para sostenerlo.

Su figura está relacionada, además, con una interesante controversia medieval sobre los límites de la autoridad religiosa femenina, en una época en la que las abadesas de Las Huelgas disfrutaban de privilegios extraordinarios.

Las infantas y las señoras de Las Huelgas

La historia del monasterio estuvo estrechamente vinculada a las mujeres de la familia real castellana. Algunas ingresaron en la comunidad cisterciense y otras desempeñaron funciones relacionadas con la protección y los intereses de la Corona.

Las fuentes distinguen entre las abadesas, responsables del gobierno de la comunidad religiosa, y determinadas infantas conocidas como «señoras de Las Huelgas», cuya autoridad podía extenderse a asuntos administrativos y de representación regia.

Misol y las primeras abadesas

Procedente del monasterio cisterciense de Tulebras, en Navarra, doña Misol fue la primera abadesa de Las Huelgas y participó en la organización de la comunidad religiosa desde sus comienzos.

Con el paso del tiempo, las abadesas llegaron a ejercer una autoridad extraordinaria, tanto en la administración de sus extensas posesiones como en determinadas materias eclesiásticas y jurisdiccionales.

Un refugio para mujeres de la nobleza

Las Huelgas también acogió a mujeres de familias aristocráticas, entre ellas viudas y otras damas que encontraron en el entorno monástico un espacio de protección y vida religiosa.

Pero sería equivocado imaginar a todas aquellas mujeres llevando una existencia idéntica. Su situación dependía de su condición religiosa, su procedencia familiar y las funciones que desempeñaban dentro de la institución.

¿Hasta dónde llegaba el poder de la abadesa?

La autoridad de las abadesas de Las Huelgas no se limitaba a la administración de los bienes del monasterio. Durante siglos disfrutaron de privilegios eclesiásticos extraordinarios, que despertaron el interés y la controversia entre los especialistas en derecho canónico.

Entre sus prerrogativas figuraban la designación de confesores, el nombramiento de vicarios eclesiásticos y la intervención, mediante visitadores, en otros monasterios sujetos a su autoridad.

Sin embargo, estos privilegios no significaban que las abadesas ejercieran funciones sacerdotales. Como explica Josemaría Escrivá en su estudio La abadesa de Las Huelgas, algunos canonistas entendían que su autoridad consistía en designar a los clérigos encargados de ejercer determinadas funciones espirituales.

La singularidad de Las Huelgas residía precisamente en esta combinación de gobierno monástico femenino, jurisdicción señorial y privilegios eclesiásticos, que convirtió a sus abadesas en figuras excepcionales dentro de la historia religiosa española.

Una curiosidad para terminar

El monasterio de Las Huelgas continúa despertando el interés de historiadores e investigadores. Esta imagen pertenece a la presentación de una conferencia de María Jesús Herrero Sanz, conservadora de Patrimonio Nacional, titulada El Monasterio de Las Huelgas: el Císter y la regeneración en la corte medieval, dentro del ciclo Los martes en Palacio, dedicado a los espacios femeninos de los monasterios reales.

Una muestra de cómo la historia de este extraordinario monasterio, gobernado durante siglos por mujeres, sigue ofreciendo nuevos motivos para conocerlo y estudiarlo.

Imagen de la conferencia de María Jesús Herrero Sanz. Patrimonio Nacional, ciclo «Los martes en Palacio».

REX OBIIT (Conductus XXIX) - Codex Las Huelgas ( https://youtu.be/475TJnmsfjg?is=mOC1MQPBLcl6JudR )

Bibliografía y fuentes

● Anglés, Higinio. El Còdex Musical de Las Huelgas. Música a veus dels segles XIII-XIV. Barcelona, 1931.

● Escrivá de Balaguer, Josemaría. La abadesa de Las Huelgas. Estudio histórico-jurídico.

● Lorenzo Arribas, José Miguel. «El Códice de Las Huelgas». Rinconete, Centro Virtual Cervantes, 27 de noviembre de 2008.

● Real Academia de la Historia. Diccionario Biográfico electrónico. Entrada dedicada a Constanza de Castilla.

● The Morgan Library & Museum. Las Huelgas Beatus, manuscrito MS M.429. Nueva York.

● Patrimonio Nacional. Información histórica y patrimonial del Real Monasterio de Santa María la Real de Las Huelgas, Burgos.

● Herrero Sanz, María Jesús. El Monasterio de Las Huelgas: el Císter y la regeneración en la corte medieval. Conferencia del ciclo Los martes en Palacio, Patrimonio Nacional.

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Santa Teresa de Jesús: entre la pluma, la música y el arte.



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Santa Teresa de Jesús: entre la pluma, la música y el arte
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Publicado  : 15 octubre, 2026.
Autor      : Mayte Delgado
Etiquetas  : Antonio Baciero, arte religioso, Carmelitas Descalzas, Francisco Guerrero, instrumentos musicales históricos, laud, música conventual, música del Renacimiento, música religiosa, monasterio de la Encarnación, poesía mística, Santa Teresa de Jesús, Teresa de Ávila
Categorías: Música

Juan García de Miranda. Santa Teresa y su hermano Rodrigo intentando construir ermitas, hacia 1735. Museo Nacional del Prado, Madrid.

Santa Teresa de Jesús: la niña de Ávila

Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada nació en Ávila el 28 de marzo de 1515, en el seno de una familia numerosa y acomodada. Desde pequeña destacó por su imaginación, curiosidad y carácter decidido.

Cuando tenía unos siete años, ella y su hermano Rodrigo decidieron marcharse a tierras musulmanas con la esperanza de morir como mártires. Su aventura terminó pronto: según la tradición, un familiar los encontró y los devolvió a casa.

Después, los hermanos se entretuvieron construyendo pequeñas ermitas con piedras, un juego que parece anunciar las numerosas fundaciones religiosas que Teresa realizaría años después.

También fue una lectora apasionada de los libros de caballerías, afición que compartía con su madre y que alimentó su extraordinaria imaginación.

La muerte de su madre, cuando Teresa tenía once años, marcó profundamente su infancia. Según cuenta en el Libro de la vida, acudió llorando ante una imagen de la Virgen y le pidió que fuera su madre.

Aquella niña aventurera, sensible y amante de los libros acabaría convirtiéndose en una de las grandes escritoras de la literatura

Teresa de Ahumada: de los libros de caballerías al convento

Durante su adolescencia, Teresa disfrutaba de las novelas de caballerías, las amistades y las diversiones propias de su edad. Le gustaba arreglarse, vestir bien y sentirse admirada, como ella misma reconocería años después en su autobiografía.

Preocupado por algunas de sus amistades, su padre decidió enviarla al convento de Nuestra Señora de Gracia, en Ávila, donde recibió una educación religiosa que despertó nuevas inquietudes.

Convento de Nuestra Señora de Gracia, Ávila, donde Teresa pasó una etapa decisiva de su juventud.

Tras un periodo de dudas, a los veinte años decidió ingresar en el convento carmelita de la Encarnación de Ávila, en 1535, aunque su padre se oponía inicialmente a aquella decisión.

La joven que soñaba con aventuras comenzaba una vida que acabaría siendo mucho más extraordinaria de lo que había imaginado.

Santa Teresa en el convento de la Encarnación

En 1535, Teresa ingresó en el convento carmelita de la Encarnación de Ávila, donde viviría durante muchos años.

La vida conventual no era tan austera como podríamos imaginar. Algunas religiosas recibían visitas frecuentes, disponían de habitaciones particulares y mantenían relaciones con la sociedad de la ciudad.

Monasterio de la Encarnación, Ávila, donde Santa Teresa vivió gran parte de su vida religiosa antes de emprender la reforma del Carmelo.

Teresa sufrió graves enfermedades que llegaron a poner en peligro su vida. Durante su recuperación comenzó a profundizar en la oración y, con el tiempo, experimentó las vivencias místicas que describiría en sus escritos.

Poco a poco fue madurando una idea: recuperar una vida religiosa más sencilla, basada en la oración, la pobreza y el recogimiento.

Aquella decisión daría origen a la reforma del Carmelo y transformaría su vida para siempre.

Santa Teresa, una monja de armas tomar

Santa Teresa no fue una religiosa que permaneciera encerrada entre los muros de un convento. Fue una mujer emprendedora, valiente y con una extraordinaria capacidad de organización.

En 1562 fundó en Ávila el convento de San José, el primero de su reforma del Carmelo. A partir de entonces recorrió numerosos caminos de España, viajando en carros y soportando el frío, el calor, las incomodidades y las dificultades económicas.

Santa Teresa de Jesús, representada como fundadora y reformadora del Carmelo. Su actividad fundacional la llevó a recorrer buena parte de Castilla y Andalucía.

Llegó a fundar diecisiete conventos de carmelitas descalzas, enfrentándose a incomprensiones y resistencias, pero sin abandonar sus proyectos.

Santa Teresa de Jesús repartiendo limosnas a los pobres. Grabado antiguo que ilustra su espíritu caritativo y su preocupación por los más necesitados.

Su personalidad combinaba una profunda espiritualidad con un sorprendente sentido práctico y del humor. Sabía negociar, resolver problemas y mantener el ánimo incluso en las situaciones más difíciles.

Santa Teresa demostró que una mujer del siglo XVI podía convertirse en una extraordinaria organizadora y reformadora.

Santa Teresa y la música en los conventos del siglo XVI

La música ocupaba un lugar importante en la vida de los conventos del siglo XVI. Las religiosas cantaban durante los oficios religiosos, pero también había espacio para canciones y villancicos en determinadas celebraciones.

Santa Teresa de Jesús da el hábito a Juan Narduch y Mariano Azzaro

Santa Teresa apreciaba el canto sencillo y compartido. En los conventos que fundó, la música debía favorecer la oración, sin grandes lujos ni complicaciones.

En  lo referente a la liturgia de las horas, dejó dispuesto en las Constituciones lo siguiente: “Jamás sea el canto por punto, sino en tono, las voces iguales. De ordinario sea todo rezado, y también la misa.”

Cultivó la poesía religiosa, y sus  versos, de ritmo sencillo y cercano a las canciones populares, se prestaban especialmente bien al canto.

Entre los poemas tradicionalmente atribuidos a Santa Teresa destaca:

«Vivo sin vivir en mí, y tan alta vida espero, que muero porque no muero».

https://youtu.be/jr0yNYel4I0?is=yqjPslv04jfLxmtm

Estos versos, asociados también a la tradición poética de San Juan de la Cruz, han inspirado numerosas composiciones musicales posteriores.

Los instrumentos musicales del monasterio de la Encarnación

El monasterio de la Encarnación de Ávila, donde Santa Teresa vivió cerca de treinta años, conserva una interesante colección de instrumentos musicales históricos.

Entre ellos figuran un arpa doble, un salterio, una guitarra de cinco órdenes, una vihuela de arco, un bajón y un tambor. También se conservan antiguos libros de canto y manuscritos litúrgicos.

Aunque no todos estos instrumentos pertenecen necesariamente a la época de Teresa, constituyen un valioso testimonio de la tradición musical de los conventos.

La música formaba parte de la vida religiosa, pero también podía proporcionar momentos de alegría y convivencia entre las monjas.

Entre los instrumentos históricos del monasterio de la Encarnación de Ávila destaca un pequeño órgano de cámara, conservado en el coro alto de la iglesia. Su constructor es desconocido y su fecha de fabricación no está establecida con certeza, aunque algunas investigaciones sitúan sus orígenes entre los siglos XV y XVI. El instrumento fue restaurado en 1980 por el organero Joaquín Saura y estudiado por el músico e investigador Antonio Baciero.

Órgano de cámara del convento de la Encarnación de Ávila. Portada del estudio de Antonio Baciero, publicado en 1982 por Editorial Poniente y el Consejo General de Castilla y León.

Las monjas músicas de la Encarnación

La tradición musical del monasterio de la Encarnación continuó después de la época de Santa Teresa. A comienzos del siglo XVII encontramos religiosas especialmente dotadas para la música, como las hermanas Isabel y Mariana Rosa Velasco, que aprendieron canto llano y polifonía desde niñas.

Mariana Rosa llegó a tocar el órgano, el arpa, la guitarra y la cítara. Otras religiosas, como Clara Eugenia y Eugenia Clara, también destacaron como instrumentistas.

Estos testimonios nos permiten imaginar la riqueza musical que llegó a desarrollarse entre los muros del monasterio, aunque no podamos atribuir todas estas prácticas a los años en que vivió Santa Teresa.

Santa Teresa de Jesús representada en su escritorio, rodeada de libros y símbolos religiosos. Una imagen que recuerda su extraordinaria actividad como escritora y reformadora del Carmelo.

Santa Teresa, sus viajes y la música popular, 

Durante sus numerosos viajes para fundar conventos, Santa Teresa recorrió caminos, pueblos y ciudades de Castilla y Andalucía. En aquellos desplazamientos debió de escuchar muchas de las canciones populares que acompañaban la vida cotidiana: romances, coplas, canciones de trabajo y melodías propias de las fiestas.

No sabemos exactamente qué canciones escuchó, pero sí que conocía y apreciaba las formas sencillas de la poesía popular. Su afición por los versos y su sentido del humor se reflejan en las composiciones que escribió para compartir con sus religiosas.

En los conventos carmelitas, las coplas y los villancicos podían convertirse en una forma de expresar la alegría, especialmente durante las celebraciones de Navidad y otras festividades religiosas.

Una huella que permanece

Santa Teresa de Jesús fue mucho más que una gran mística y reformadora. Fue una mujer de carácter, escritora extraordinaria y amante de la poesía, que supo encontrar en las palabras y en el canto una forma de expresar sus sentimientos más profundos.

Sus versos, cercanos a la tradición popular, nos recuerdan que la espiritualidad también podía convivir con la alegría, el humor y la música.

Cinco siglos después, su voz sigue viva, no solo en sus libros, sino también en las numerosas composiciones musicales que han encontrado inspiración en su poesía.

Bibliografía y fuentes consultadas

Teresa de Jesús. Libro de la vida.

Teresa de Jesús. Libro de las fundaciones.

Teresa de Jesús. Camino de perfección.

Teresa de Jesús. Poesías.

Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes. Obras de Santa Teresa de Jesús.

Museo Nacional del Prado. Santa Teresa y su hermano Rodrigo intentando construir ermitas, de Juan García de Miranda.

Baciero, Antonio. El órgano de cámara del convento de la Encarnación de Ávila. 1982.

Archivo de la Catedral de Sevilla. Pange lingua, de Francisco Guerrero.

Museo del V Centenario de Santa Teresa de Jesús, Pastrana. Documentación e imágenes relacionadas con la santa y la reforma carmelitana.

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Nota personal: Mi prima Mayte Delgado Oviedo es pariente de Timoteo Arnáiz Alcalde de Burgos y de San Rafael Arnáiz Barón que a su vez lo es por los Barón pariente de Santa Teresa de Jesús de Ávila, de lo que trata esta entrada, y de San Luis de Gonzaga.
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