Peggy Guggenheim y su “ Exhibition by 31 Women”
URL : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/10/01/peggy-guggenheim-y-su-exhibition-by-31-women/
Publicado : 1 octubre, 2026.
Autor : Mayte Delgado
Categorías: Música
En la historia tradicional del arte, las mujeres artistas aparecen habitualmente como figuras secundarias, ya sea en calidad de musas, esposas o compañeras de sus colegas hombres.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7817.jpg?w=806
Con su lema «una obra al día», Peggy Guggenheim apostó por comprar obras de artistas como Kandinsky, Mondrian y Magritte. Más adelante, aconsejada por su amigo Marcel Duchamp, fue adentrándose cada vez más en el arte de vanguardia y formando una colección que llegaría a ser excepcional.
Y en enero de 1943, Peggy Guggenheim presentó una exposición que rompía una barrera: Exhibition by 31 Women, dedicada exclusivamente a mujeres artistas.
Se trataba de una de las primeras muestras en Estados Unidos en la que se exponía íntegramente la obra realizada por mujeres europeas y norteamericanas. La exposición sirvió para visibilizar no solo la aportación de treinta y un mujeres al arte de su época, sino también las redes de colaboración y conexiones que existían entre ellas y Peggy Guggenheim.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/414ed586-5780-4506-bc1e-fd5645b0498d-2.jpg?w=746 Las 31 artistas que participaron enExhibition by 31 Women, organizada por Peggy Guggenheim en Nueva York en 1943.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/adabae10-7dcc-4b56-b525-c4baa8e37631-1.jpg?w=1024
Peggy Guggenheim
Margaret “Peggy” Guggenheim nació en Nueva York en 1898, en el seno de una poderosa familia de negocios judía, los Guggenheim. Su padre, Benjamin Guggenheim, murió en el naufragio del Titanic en 1912, por lo que al alcanzar la mayoría de edad, Margaret recibió una importante herencia que invirtió en obras de arte a lo largo de su vida.
Su tío Solomon, creó en 1937 la Fundación Solomon R. Guggenheim ( https://es.wikipedia.org/wiki/Fundaci%C3%B3n_Solomon_R._Guggenheim ) para apoyar el desarrollo y difusión del arte moderno.
Peggy empezó trabajando en Nueva York en una librería vanguardista, pero en los años veinte se instaló en París, donde frecuentó los ambientes artísticos e intelectuales de la época y conoció a muchos de los protagonistas de las vanguardias.
A finales de los años treinta se trasladó a Londres y en 1938 abrió su primera galería, Guggenheim Jeune, en Cork Street. Aunque la galería solo permaneció abierta hasta 1939, fue allí donde Peggy comenzó realmente su carrera como galerista y coleccionista de arte moderno.
Artistas del círculo de Peggy Guggenheim en Nueva York. Entre ellos, Max Ernst, Marcel Duchamp, André Breton, Fernand Léger, Piet Mondrian, Frederick Kiesler y Leonora Carrington.
Su siguiente proyecto era crear un museo de arte moderno en Londres, pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial trastocó sus planes. Mientras Europa entraba en guerra, Peggy continuó comprando obras y formando la colección que marcaría el resto de su vida.
En 1941 regresó a Nueva York llevando consigo su colección. Un año después abrió Art of This Century, una galería completamente innovadora.
Peggy Guggenheim en su galería Art of This Century, Nueva York, octubre de 1942. Fotografía atribuida a Berenice Abbott
Art of This Century
Cuando Peggy Guggenheim regresó a Nueva York, quiso crear algo más que una galería donde colgar cuadros. En octubre de 1942 abrió Art of This Century, un espacio dedicado al arte moderno que pronto se convirtió en punto de encuentro entre los artistas europeos llegados a Estados Unidos y la nueva vanguardia norteamericana.
Para diseñarlo recurrió al arquitecto y diseñador Frederick Kiesler, que convirtió las salas en una experiencia casi teatral. Nada respondía a la idea tradicional de una galería de paredes blancas con cuadros alineados.
Interior de Art of This Century, la innovadora galería neoyorquina de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.
La Abstract Gallery tenía paredes de lona azul oscuro y las obras parecían flotar en el espacio, suspendidas mediante cables. En la Surrealist Gallery, los cuadros se separaban de los paneles curvos mediante brazos de madera, mientras que una iluminación especial contribuía a crear una atmósfera insólita. Hasta los muebles fueron diseñados por Kiesler como parte del conjunto.
Art of This Century contaba además con otros espacios destinados a exposiciones temporales. Uno de ellos era la Daylight Gallery, o Galería de Luz Natural.
Y precisamente allí, en enero de 1943, Peggy Guggenheim presentó una exposición que rompía otra barrera: Exhibition by 31 Women, una muestra que contribuyó a dar visibilidad a su trabajo en un mundo artístico todavía dominado mayoritariamente por los hombres.
“Art of This Century” permaneció abierta hasta 1947. Durante aquellos años Peggy apoyó también a numerosos artistas de la nueva vanguardia norteamericana, entre ellos Jackson Pollock, a quien organizó su primera exposición individual en 1943.
En 1947, Peggy cerró la galería y regresó a Europa. En 1948 fue invitada a presentar su colección en la Bienal de Venecia de 1948.
Bienal de Venecia 1948
Allí mostró conjuntamente obras de artistas europeos y norteamericanos que había ido coleccionando y apoyando durante años, dando a conocer en Europa algunas de las nuevas tendencias del arte estadounidense.
En 1949, Peggy compró el Palazzo Venier dei Leoni, un edificio inacabado del siglo XVIII, situado a lo largo del Canal Grande de Venecia, donde se instala de forma permanente.
La Colección Peggy Guggenheim en el Palazzo Venier dei Leoni, alberga una de las principales colecciones de arte europeo y americano de la primera mitad del siglo XX.
Exhibition by 31 Women
Las artistas elegidas por Peggy Guggenheim en 1943 para la muestra titulada “Exhibition by 31 Women”, formaban un grupo muy diverso. Había creadoras europeas y estadounidenses, algunas ya reconocidas y otras todavía poco conocidas, vinculadas en buena parte al surrealismo y a la abstracción.
La exposición permitía contemplarlas como artistas por derecho propio, y no como musas, esposas o compañeras de hombres famosos, una consideración que había condicionado durante mucho tiempo la manera de valorar el trabajo de muchas mujeres.
Tampoco existía un único estilo que las uniera. Cada una utilizó a su manera los lenguajes de la vanguardia y desarrolló una obra personal, desde el surrealismo y sus mundos imaginarios hasta distintas formas de abstracción.
Dorothea Tanning y Max Ernst
Entre las artistas seleccionadas estaba Dorothea Tanning. Durante los preparativos de la exposición, Max Ernst visitó su estudio para seleccionar obras y eligió Cumpleaños (Birthday) y Juego de niños (Children’s Games), ambas pintadas en 1942, dos obras bastante inquietantes, incluso para los surrealistas. Las dos serían expuestas en Exhibition by 31 Women en enero de 1943.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7845-1.jpg?w=1024 Dorothea Tanning, Birthday (Cumpleaños), 1942 y Children’s Games (Juego de niños), 1942. Seleccionadas para la exposición organizada por Peggy Guggenheim en 1943.
Aquella visita tuvo además consecuencias inesperadas: Tanning y Ernst iniciaron una relación. Ernst estaba entonces casado con Peggy Guggenheim; se separaría de ella y, en 1946, se casaría con Dorothea Tanning.
La negativa de Georgia O’Keeffe
No todas las artistas compartían la idea de reunir a las creadoras en una exposición exclusivamente femenina. Georgia O’Keeffe fue invitada, pero rechazó participar. Según recordaría Jimmy Ernst, su respuesta fue tajante: ella no quería ser considerada una «mujer pintora», sino simplemente una pintora. Su negativa plantea una cuestión que acompañaría durante décadas a muchas creadoras: si las exposiciones dedicadas exclusivamente a mujeres contribuían a darles la visibilidad que se les había negado o, por el contrario, perpetuaban su consideración como una categoría aparte.
¿Qué obras se expusieron?
Hoy no siempre es fácil saber qué obras concretas formaron parte de Exhibition by 31 Women. La lista publicada con motivo de la exposición no incluía fotografías y, en muchos casos, recogía títulos tan genéricos como Naturaleza muerta o Composición. Salvo algunas obras que han podido identificarse con seguridad, resulta por tanto difícil reconstruir exactamente lo que se mostró en 1943.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7875.jpg?w=833
La exposición tuvo bastante repercusión en la prensa. Las críticas, sin embargo, mezclaban la admiración con comentarios condescendientes e incluso abiertamente despectivos, reflejo de los prejuicios hacia las mujeres artistas que todavía dominaban buena parte del mundo cultural de la época.
Con el tiempo, Exhibition by 31 Women ha adquirido una especial importancia en la historia de las exposiciones dedicadas a mujeres artistas y constituye un antecedente significativo de las iniciativas que, décadas después, reclamarían una mayor visibilidad para su trabajo.
El “yo” como arte
Para estas mujeres la propia identidad, la apariencia, el disfraz, el autorretrato o incluso el cuerpo se convirtieron en material artístico.
Un caso especialmente curioso es el de Gypsy Rose Lee, que comenzó a actuar como stripper en espectáculos de burlesque y llegó después a los teatros de Broadway. Sus strip-teases alcanzaron un enorme éxito y contribuyeron a transformar el género.
Una de sus grandes novedades consistía en hablar mientras se desnudaba. De esta manera desviaba la atención del simple acto de quitarse la ropa y construía ante el público un personaje propio: moderno, divertido e ingenioso. Tampoco hablaba como cabría esperar en un espectáculo de burlesque, sino que utilizaba una dicción estudiadamente refinada, con un afectado acento de clase alta e incluso frases en francés.
Así, el espectáculo no dependía únicamente del desnudo: Gypsy Rose Lee convertía su propia personalidad en parte de la representación.
31 mujeres, 31 maneras de crear
Las artistas reunidas por Peggy Guggenheim formaban un grupo extraordinariamente diverso. Surrealismo, abstracción, figuración, experimentación con los objetos… Sus obras demuestran que no existía un «arte de mujeres», sino treinta y una maneras distintas de entender y practicar el arte.
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Bestiarios
Animales reales y fantásticos, criaturas híbridas y metamorfosis aparecen con frecuencia en la obra de varias de las artistas de Exhibition by 31 Women. En Leonora Carrington, Leonor Fini, Frida Kahlo o Julia Thecla, el animal puede ser compañero, alter ego o criatura fantástica. Caballos, aves, felinos y seres difíciles de clasificar pueblan unas obras en las que las fronteras entre lo humano y lo animal parecen desdibujarse.
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Lo extrañamente familiar
Una habitación, una puerta, una escalera o un objeto cotidiano pueden convertirse de pronto en algo desconcertante. Varias de estas artistas transformaron espacios domésticos y objetos familiares en escenarios ambiguos, donde lo real convive con el sueño. Dorothea Tanning es un magnífico ejemplo, pero también encontramos esa sensación de extrañeza en Kay Sage, Meret Oppenheim o Leonora Carrington.
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Kay Sage, de la serie The Minutes, 1943.
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Meret Oppenheim, Ma gouvernante – My Nurse – Mein Kindermädchen, 1936.
Oppenheim coloca un par de zapatos de tacón blancos, atados con cordel, sobre una bandeja, con los tacones adornados como si fueran los extremos de las patas de un ave preparada para servir. La presentación hace que el ojo piense inmediatamente: «esto es comida» antes de darse cuenta de que son zapatos.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7870.jpg?w=1024
Meret Oppenheim, Bon appétit, Marcel! (La reina blanca), 1966–1978. Masa horneada con una espina de perdiz, vajilla, vino y tablero de ajedrez. Una irónica «comida» dedicada a Marcel Duchamp.
31 mujeres que volvieron a ser visibles
Exhibition by 31 Women duró apenas unas semanas, pero más de ochenta años después sigue despertando curiosidad. Algunas de aquellas artistas alcanzaron un enorme reconocimiento; otras quedaron durante décadas casi olvidadas y hoy vuelven poco a poco a ocupar su lugar en la historia del arte.
Quizá lo más interesante sea precisamente descubrirlas una a una. Detrás de aquella exposición no había un «arte de mujeres», sino treinta y una creadoras con historias, lenguajes y mundos propios.
Y eso es, al final, lo que hace tan fascinante volver a mirar aquella exposición de 1943.
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Publicado : 1 octubre, 2026.
Autor : Mayte Delgado
Categorías: Música
En la historia tradicional del arte, las mujeres artistas aparecen habitualmente como figuras secundarias, ya sea en calidad de musas, esposas o compañeras de sus colegas hombres.
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Con su lema «una obra al día», Peggy Guggenheim apostó por comprar obras de artistas como Kandinsky, Mondrian y Magritte. Más adelante, aconsejada por su amigo Marcel Duchamp, fue adentrándose cada vez más en el arte de vanguardia y formando una colección que llegaría a ser excepcional.
Y en enero de 1943, Peggy Guggenheim presentó una exposición que rompía una barrera: Exhibition by 31 Women, dedicada exclusivamente a mujeres artistas.
Se trataba de una de las primeras muestras en Estados Unidos en la que se exponía íntegramente la obra realizada por mujeres europeas y norteamericanas. La exposición sirvió para visibilizar no solo la aportación de treinta y un mujeres al arte de su época, sino también las redes de colaboración y conexiones que existían entre ellas y Peggy Guggenheim.
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Peggy Guggenheim
Margaret “Peggy” Guggenheim nació en Nueva York en 1898, en el seno de una poderosa familia de negocios judía, los Guggenheim. Su padre, Benjamin Guggenheim, murió en el naufragio del Titanic en 1912, por lo que al alcanzar la mayoría de edad, Margaret recibió una importante herencia que invirtió en obras de arte a lo largo de su vida.
Su tío Solomon, creó en 1937 la Fundación Solomon R. Guggenheim ( https://es.wikipedia.org/wiki/Fundaci%C3%B3n_Solomon_R._Guggenheim ) para apoyar el desarrollo y difusión del arte moderno.
Peggy empezó trabajando en Nueva York en una librería vanguardista, pero en los años veinte se instaló en París, donde frecuentó los ambientes artísticos e intelectuales de la época y conoció a muchos de los protagonistas de las vanguardias.
A finales de los años treinta se trasladó a Londres y en 1938 abrió su primera galería, Guggenheim Jeune, en Cork Street. Aunque la galería solo permaneció abierta hasta 1939, fue allí donde Peggy comenzó realmente su carrera como galerista y coleccionista de arte moderno.
Artistas del círculo de Peggy Guggenheim en Nueva York. Entre ellos, Max Ernst, Marcel Duchamp, André Breton, Fernand Léger, Piet Mondrian, Frederick Kiesler y Leonora Carrington.
Su siguiente proyecto era crear un museo de arte moderno en Londres, pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial trastocó sus planes. Mientras Europa entraba en guerra, Peggy continuó comprando obras y formando la colección que marcaría el resto de su vida.
En 1941 regresó a Nueva York llevando consigo su colección. Un año después abrió Art of This Century, una galería completamente innovadora.
Peggy Guggenheim en su galería Art of This Century, Nueva York, octubre de 1942. Fotografía atribuida a Berenice Abbott
Art of This Century
Cuando Peggy Guggenheim regresó a Nueva York, quiso crear algo más que una galería donde colgar cuadros. En octubre de 1942 abrió Art of This Century, un espacio dedicado al arte moderno que pronto se convirtió en punto de encuentro entre los artistas europeos llegados a Estados Unidos y la nueva vanguardia norteamericana.
Para diseñarlo recurrió al arquitecto y diseñador Frederick Kiesler, que convirtió las salas en una experiencia casi teatral. Nada respondía a la idea tradicional de una galería de paredes blancas con cuadros alineados.
Interior de Art of This Century, la innovadora galería neoyorquina de Peggy Guggenheim, diseñada por Frederick Kiesler.
La Abstract Gallery tenía paredes de lona azul oscuro y las obras parecían flotar en el espacio, suspendidas mediante cables. En la Surrealist Gallery, los cuadros se separaban de los paneles curvos mediante brazos de madera, mientras que una iluminación especial contribuía a crear una atmósfera insólita. Hasta los muebles fueron diseñados por Kiesler como parte del conjunto.
Art of This Century contaba además con otros espacios destinados a exposiciones temporales. Uno de ellos era la Daylight Gallery, o Galería de Luz Natural.
Y precisamente allí, en enero de 1943, Peggy Guggenheim presentó una exposición que rompía otra barrera: Exhibition by 31 Women, una muestra que contribuyó a dar visibilidad a su trabajo en un mundo artístico todavía dominado mayoritariamente por los hombres.
“Art of This Century” permaneció abierta hasta 1947. Durante aquellos años Peggy apoyó también a numerosos artistas de la nueva vanguardia norteamericana, entre ellos Jackson Pollock, a quien organizó su primera exposición individual en 1943.
En 1947, Peggy cerró la galería y regresó a Europa. En 1948 fue invitada a presentar su colección en la Bienal de Venecia de 1948.
Bienal de Venecia 1948
Allí mostró conjuntamente obras de artistas europeos y norteamericanos que había ido coleccionando y apoyando durante años, dando a conocer en Europa algunas de las nuevas tendencias del arte estadounidense.
En 1949, Peggy compró el Palazzo Venier dei Leoni, un edificio inacabado del siglo XVIII, situado a lo largo del Canal Grande de Venecia, donde se instala de forma permanente.
La Colección Peggy Guggenheim en el Palazzo Venier dei Leoni, alberga una de las principales colecciones de arte europeo y americano de la primera mitad del siglo XX.
Exhibition by 31 Women
Las artistas elegidas por Peggy Guggenheim en 1943 para la muestra titulada “Exhibition by 31 Women”, formaban un grupo muy diverso. Había creadoras europeas y estadounidenses, algunas ya reconocidas y otras todavía poco conocidas, vinculadas en buena parte al surrealismo y a la abstracción.
La exposición permitía contemplarlas como artistas por derecho propio, y no como musas, esposas o compañeras de hombres famosos, una consideración que había condicionado durante mucho tiempo la manera de valorar el trabajo de muchas mujeres.
Tampoco existía un único estilo que las uniera. Cada una utilizó a su manera los lenguajes de la vanguardia y desarrolló una obra personal, desde el surrealismo y sus mundos imaginarios hasta distintas formas de abstracción.
Dorothea Tanning y Max Ernst
Entre las artistas seleccionadas estaba Dorothea Tanning. Durante los preparativos de la exposición, Max Ernst visitó su estudio para seleccionar obras y eligió Cumpleaños (Birthday) y Juego de niños (Children’s Games), ambas pintadas en 1942, dos obras bastante inquietantes, incluso para los surrealistas. Las dos serían expuestas en Exhibition by 31 Women en enero de 1943.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/10/img_7845-1.jpg?w=1024 Dorothea Tanning, Birthday (Cumpleaños), 1942 y Children’s Games (Juego de niños), 1942. Seleccionadas para la exposición organizada por Peggy Guggenheim en 1943.
Aquella visita tuvo además consecuencias inesperadas: Tanning y Ernst iniciaron una relación. Ernst estaba entonces casado con Peggy Guggenheim; se separaría de ella y, en 1946, se casaría con Dorothea Tanning.
La negativa de Georgia O’Keeffe
No todas las artistas compartían la idea de reunir a las creadoras en una exposición exclusivamente femenina. Georgia O’Keeffe fue invitada, pero rechazó participar. Según recordaría Jimmy Ernst, su respuesta fue tajante: ella no quería ser considerada una «mujer pintora», sino simplemente una pintora. Su negativa plantea una cuestión que acompañaría durante décadas a muchas creadoras: si las exposiciones dedicadas exclusivamente a mujeres contribuían a darles la visibilidad que se les había negado o, por el contrario, perpetuaban su consideración como una categoría aparte.
¿Qué obras se expusieron?
Hoy no siempre es fácil saber qué obras concretas formaron parte de Exhibition by 31 Women. La lista publicada con motivo de la exposición no incluía fotografías y, en muchos casos, recogía títulos tan genéricos como Naturaleza muerta o Composición. Salvo algunas obras que han podido identificarse con seguridad, resulta por tanto difícil reconstruir exactamente lo que se mostró en 1943.
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La exposición tuvo bastante repercusión en la prensa. Las críticas, sin embargo, mezclaban la admiración con comentarios condescendientes e incluso abiertamente despectivos, reflejo de los prejuicios hacia las mujeres artistas que todavía dominaban buena parte del mundo cultural de la época.
Con el tiempo, Exhibition by 31 Women ha adquirido una especial importancia en la historia de las exposiciones dedicadas a mujeres artistas y constituye un antecedente significativo de las iniciativas que, décadas después, reclamarían una mayor visibilidad para su trabajo.
El “yo” como arte
Para estas mujeres la propia identidad, la apariencia, el disfraz, el autorretrato o incluso el cuerpo se convirtieron en material artístico.
Un caso especialmente curioso es el de Gypsy Rose Lee, que comenzó a actuar como stripper en espectáculos de burlesque y llegó después a los teatros de Broadway. Sus strip-teases alcanzaron un enorme éxito y contribuyeron a transformar el género.
Una de sus grandes novedades consistía en hablar mientras se desnudaba. De esta manera desviaba la atención del simple acto de quitarse la ropa y construía ante el público un personaje propio: moderno, divertido e ingenioso. Tampoco hablaba como cabría esperar en un espectáculo de burlesque, sino que utilizaba una dicción estudiadamente refinada, con un afectado acento de clase alta e incluso frases en francés.
Así, el espectáculo no dependía únicamente del desnudo: Gypsy Rose Lee convertía su propia personalidad en parte de la representación.
31 mujeres, 31 maneras de crear
Las artistas reunidas por Peggy Guggenheim formaban un grupo extraordinariamente diverso. Surrealismo, abstracción, figuración, experimentación con los objetos… Sus obras demuestran que no existía un «arte de mujeres», sino treinta y una maneras distintas de entender y practicar el arte.
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Bestiarios
Animales reales y fantásticos, criaturas híbridas y metamorfosis aparecen con frecuencia en la obra de varias de las artistas de Exhibition by 31 Women. En Leonora Carrington, Leonor Fini, Frida Kahlo o Julia Thecla, el animal puede ser compañero, alter ego o criatura fantástica. Caballos, aves, felinos y seres difíciles de clasificar pueblan unas obras en las que las fronteras entre lo humano y lo animal parecen desdibujarse.
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Lo extrañamente familiar
Una habitación, una puerta, una escalera o un objeto cotidiano pueden convertirse de pronto en algo desconcertante. Varias de estas artistas transformaron espacios domésticos y objetos familiares en escenarios ambiguos, donde lo real convive con el sueño. Dorothea Tanning es un magnífico ejemplo, pero también encontramos esa sensación de extrañeza en Kay Sage, Meret Oppenheim o Leonora Carrington.
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Kay Sage, de la serie The Minutes, 1943.
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Meret Oppenheim, Ma gouvernante – My Nurse – Mein Kindermädchen, 1936.
Oppenheim coloca un par de zapatos de tacón blancos, atados con cordel, sobre una bandeja, con los tacones adornados como si fueran los extremos de las patas de un ave preparada para servir. La presentación hace que el ojo piense inmediatamente: «esto es comida» antes de darse cuenta de que son zapatos.
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Meret Oppenheim, Bon appétit, Marcel! (La reina blanca), 1966–1978. Masa horneada con una espina de perdiz, vajilla, vino y tablero de ajedrez. Una irónica «comida» dedicada a Marcel Duchamp.
31 mujeres que volvieron a ser visibles
Exhibition by 31 Women duró apenas unas semanas, pero más de ochenta años después sigue despertando curiosidad. Algunas de aquellas artistas alcanzaron un enorme reconocimiento; otras quedaron durante décadas casi olvidadas y hoy vuelven poco a poco a ocupar su lugar en la historia del arte.
Quizá lo más interesante sea precisamente descubrirlas una a una. Detrás de aquella exposición no había un «arte de mujeres», sino treinta y una creadoras con historias, lenguajes y mundos propios.
Y eso es, al final, lo que hace tan fascinante volver a mirar aquella exposición de 1943.
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