Música y Bellas Artes
Prerrafaelismo: itinerarios femeninos en la Sala Mapfre
URL : https://musicaybellasartes.wordpress.com/2026/11/15/prerrafaelismo-itinerarios-femeninos-en-la-sala-mapfre/
Publicado : 15 noviembre, 2026.
Autor : Mayte Delgado
Categorías: Música
Este artículo toma como punto de partida la exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), presentada por la Fundación MAPFRE en Madrid, y amplía su recorrido con información biográfica y obras de las artistas vinculadas al movimiento. Algunas de las imágenes reproducidas tienen carácter ilustrativo y no corresponden necesariamente a las piezas expuestas.
Con este lema, la sala Mapfre de Madrid propone una nueva lectura del movimiento prerrafaelista, surgido en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX, en el que los artistas buscaban romper con las convenciones del arte académico.
La exposición Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914), nos permite recuperar a creadoras que durante mucho tiempo quedaron a la sombra de sus compañeros.
En la exposición se pone de relieve la aportación fundamental de las mujeres artistas, históricamente eclipsada por el protagonismo otorgado a sus representantes masculinos.
¿Qué es el prerrafaelismo?
El prerrafaelismo nació en Gran Bretaña en 1848, cuando siete jóvenes aspirantes a artistas fundaron la Hermandad Prerrafaelita. Estaban contra las normas de la Royal Academy y su nombre ya lo decía todo: buscaban su inspiración en el arte anterior a Rafael (1483-1520), el gran referente del gusto académico. Miraban a la pintura bajomedieval y a maestros del norte como Durero.
Entre sus protagonistas estaban John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, y después se sumaron Ford Madox Brown, Edward Burne-Jones y William Morris. Su gran defensor fue el crítico John Ruskin. Presentaron sus obras en público por primera vez en 1849.
La Hermandad se disolvió en 1853, pero sus ideas duraron décadas: observación minuciosa de la naturaleza, sinceridad y rechazo de las fórmulas académicas.
Las mujeres del prerrafaelismo
La Hermandad solo admitía hombres. Aun así, muchas mujeres trabajaron dentro del movimiento como pintoras, ilustradoras, fotógrafas, diseñadoras o escritoras. Durante más de un siglo la historia del arte las recordó sobre todo como modelos y musas. Su reivindicación empezó con los estudios feministas de los años ochenta, y esta exposición es la revisión más reciente de ese trabajo.
La exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), de la Fundación MAPFRE, recupera el talento de las mujeres que participaron en este movimiento artístico británico. Pintoras, fotógrafas y diseñadoras desafiaron las limitaciones de su época y encontraron en el arte una forma de expresión propia. Sus obras, inspiradas en la naturaleza, la literatura y el mundo medieval, revelan una contribución fundamental al prerrafaelismo y al movimiento Arts and Crafts.
La muestra presenta a más de cuarenta creadoras, entre ellas Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Julia Margaret Cameron, May Morris, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan, Emma Sandys y Eleanor Fortescue-Brickdale.
¿Como consiguieron formarse y exponer sus obras ?
Las mujeres encontraban importantes restricciones para acceder a la enseñanza artística académica, especialmente al estudio anatómico y al dibujo del desnudo.
Según los textos de la exposición, el prerrafaelismo les ofrecía una vía alcanzable. Se basaba en la observación directa y el esfuerzo individual, no en una erudición académica que no podían adquirir.
Por eso muchas pintaron lo que tenían a mano: jardines, paisajes cercanos, interiores domésticos, vistas desde la ventana y retratos de su familia.
¿Qué vamos a ver en la exposición?
El recorrido tiene nueve secciones temáticas que siguen también un orden cronológico. Empieza con la influencia de Ruskin y las primeras barreras que encontraban estas artistas y termina a finales del siglo XIX, cuando cada vez más mujeres podían formarse, exponer y abordar proyectos ambiciosos con voz propia.
La exposición no se limita a la pintura. Hay óleos, acuarelas, dibujos y grabados junto a fotografías, textiles, bordados, esmaltes, cerámica y vidrieras. Según la información difundida en su presentación, reúne préstamos de unas 65 colecciones públicas y privadas. Está organizada por Fundación MAPFRE en colaboración con La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent, de Roubaix (Francia).
Eleanor Fortescue-Brickdale (1872-1945)
Eleanor Fortescue-Brickdale fue una de las principales representantes de la última generación prerrafaelista. Formada en la Crystal Palace School of Art y en las escuelas de la Royal Academy de Londres, destacó como pintora e ilustradora.
Sus obras evocan el mundo medieval, las leyendas caballerescas y los amores imposibles, con un dibujo minucioso y una gran riqueza de detalles.
En El pálido semblante del amor verdadero (1899), una joven vestida de rojo recibe el homenaje de un caballero arrodillado. La escena, inspirada en el universo de Shakespeare, combina romanticismo y misterio. El contraste entre la intensidad del vestido y la actitud enigmática de la protagonista invita a reflexionar sobre la naturaleza del amor.
El pálido semblante del amor verdadero (1899). Óleo sobre lienzo del Musée d’Orsay y la imagen principal de la exposición.
Mary Severn (1801-1873)
Fue una pintora británica especializada en el retrato y la pintura de género. Desarrolló su carrera en una época en la que las mujeres encontraban numerosas dificultades para acceder a la formación artística y obtener reconocimiento profesional.
Aunque perteneció a una generación anterior a la Hermandad Prerrafaelita, su trayectoria refleja el camino abierto por las primeras artistas que consiguieron hacerse un lugar en el mundo del arte.
Su Autorretrato constituye una afirmación de su identidad como pintora. Al representarse a sí misma, Severn reivindica su condición de creadora y no solamente de modelo, en un ambiente artístico dominado por los hombres.
Mary Severn, Autorretrato (c. 1862). Óleo procedente de la National Portrait Gallery de Londres.
Julia Margaret Cameron (1815-1879)
Julia Margaret Cameron fue una de las grandes pioneras de la fotografía artística. Nacida en Calcuta, comenzó a fotografiar a los 48 años, cuando recibió una cámara como regalo de su hija.
Sus retratos, caracterizados por los primeros planos, los enfoques suaves y una intensa expresividad, rompieron con las convenciones fotográficas de su tiempo.
Relacionada con el ambiente artístico y literario victoriano, encontró inspiración en la Biblia, la poesía y las leyendas medievales, temas muy próximos al universo prerrafaelista.
Sus fotografías, a menudo protagonizadas por mujeres, poseen una atmósfera íntima y espiritual que las aproxima a la pintura. Cameron convirtió la cámara en un instrumento de creación artística, más allá de la simple reproducción de la realidad.
Julia Margaret Cameron, Retrato de Julia Jackson (1867). Fotografía de la futura madre de Virginia Woolf, ejemplo de la sensibilidad artística y la extraordinaria expresividad de los retratos de Cameron.
Emma Sandys (1843-1877)
Emma Sandys fue una pintora británica vinculada al movimiento prerrafaelista. Nacida en Norwich, recibió su primera formación artística en el entorno familiar y compartió intereses pictóricos con su hermano, el también pintor Frederick Sandys.
Se especializó en retratos femeninos de inspiración medieval y renacentista, caracterizados por la delicadeza de los rostros, la riqueza de los tejidos y la minuciosidad de los detalles.
Sus figuras, frecuentemente representadas con vestidos elaborados y expresiones melancólicas, evocan el ideal de belleza prerrafaelista, aunque poseen una personalidad propia.
Su carrera quedó truncada por su muerte prematura, a los 34 años, pero dejó una obra que merece ser reconocida más allá de la fama de su hermano.
Emma Sandys, Dulces sueños (1876). Óleo de los museos de la Universidad de Dundee; es la portada del folleto.
El movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios)
El movimiento Arts and Crafts surgió en Gran Bretaña durante la segunda mitad del siglo XIX, como reacción a la industrialización y a la producción en serie.
Impulsado por William Morris e inspirado en las ideas del crítico John Ruskin, defendía la recuperación del trabajo artesanal, la belleza de los objetos cotidianos y la unión entre arte y oficio.
Sus creadores se inspiraron en la naturaleza y en las tradiciones medievales para diseñar muebles, tejidos, bordados, vidrieras, cerámicas y papeles pintados.
May Morris desempeñó un papel fundamental en este movimiento, especialmente en la renovación del bordado artístico y en la reivindicación del trabajo de las mujeres.
El Arts and Crafts compartió con el prerrafaelismo el amor por la naturaleza, la artesanía medieval y la atención al detalle, y ejerció una importante influencia en el posterior desarrollo del modernismo.
May Morris (1862-1938)
May Morris fue una destacada diseñadora, bordadora y figura fundamental del movimiento Arts and Crafts. Hija del célebre artista y diseñador William Morris, se formó en el ambiente creativo familiar y estudió en la National Art Training School de Londres.
Con tan solo 23 años asumió la dirección del departamento de bordados de Morris & Co., donde renovó los diseños textiles inspirándose en la naturaleza, especialmente en las flores y las plantas.
Defendió el bordado como una auténtica expresión artística, más allá de su consideración tradicional como labor femenina. También luchó por el reconocimiento profesional de las mujeres y fundó, en 1907, el Women’s Guild of Arts.
Sus delicadas composiciones demuestran que las artes decorativas ocuparon un lugar esencial en el universo prerrafaelista.
May Morris, funda de cojín (c. 1900). Seda bordada sobre lino, del Cooper Hewitt de Nueva York.
John Ruskin (1819-1900)
John Ruskin fue uno de los críticos de arte y pensadores más influyentes de la Inglaterra victoriana. Defendió la observación fiel de la naturaleza, la sinceridad artística y la recuperación de los valores de la artesanía medieval.
Fue uno de los principales defensores de los prerrafaelistas, especialmente de John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti, y sus ideas influyeron profundamente en William Morris y en el movimiento Arts and Crafts.
Ruskin consideraba que el arte debía estar unido a la vida cotidiana y que la belleza no podía separarse del trabajo humano y de sus condiciones sociales.
Su pensamiento contribuyó a transformar la concepción del arte y de las artes decorativas en el siglo XIX.
Alice Boyd (1823-1897)
Alice Boyd fue una pintora escocesa vinculada al círculo prerrafaelista. Heredera del castillo de Penkill, en Ayrshire, convirtió su residencia en un lugar de encuentro para artistas y escritores.
Mantuvo una estrecha relación personal y artística con el pintor William Bell Scott, quien la animó a desarrollar su talento. Se interesó especialmente por la acuarela y la pintura de paisajes, en los que reflejó su sensibilidad hacia la naturaleza.
En Vista desde la ventana de Balcony House, la contemplación del paisaje adquiere un carácter íntimo y sereno. Su obra refleja la importancia que los prerrafaelistas concedían a la observación directa de la naturaleza y a la representación minuciosa de sus detalles.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/img_1148.jpg?w=827 Alice Boyd, Vista desde la ventana de Balcony House (1864). Un buen ejemplo de pintura «de lo cercano».
Marie Spartali Stillman (1844-1927)
Marie Spartali Stillman fue una pintora británica de origen griego y una de las figuras más destacadas de la segunda generación prerrafaelista. Estudió con Ford Madox Brown y desarrolló una larga carrera artística, primero en Gran Bretaña y después en Estados Unidos e Italia.
Antes de consolidarse como pintora, fue modelo de artistas como Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones. Sin embargo, pronto destacó por sus propias obras, inspiradas en la literatura, la historia medieval y el Renacimiento italiano.
Sus pinturas se caracterizan por la delicadeza de las figuras femeninas, la riqueza de los tejidos y una atmósfera poética y melancólica.
En Beatrice, inspirada en la figura de Beatriz de la obra de Dante, representa a una joven ensimismada ante un libro abierto, rodeada de rosas. La escena refleja la sensibilidad literaria y el refinamiento característicos del prerrafaelismo.
Marie Spartali Stillman, Beatrice. La figura de Beatriz, musa de Dante, aparece rodeada de flores y sumida en sus pensamientos, en una composición de delicada belleza.
Evelyn De Morgan (1855-1919)
Evelyn De Morgan fue una pintora británica vinculada a la segunda generación prerrafaelista. Estudió en la Slade School of Fine Art de Londres, donde recibió una formación artística poco habitual para las mujeres de su época.
Sus pinturas, inspiradas en la mitología, la literatura y la espiritualidad, destacan por sus figuras femeninas de gran elegancia, sus colores luminosos y su profundo simbolismo.
A diferencia de otros artistas prerrafaelistas, De Morgan utilizó frecuentemente la pintura para expresar sus ideas sobre la libertad, la condición femenina, la paz y la esperanza.
En sus obras, las mujeres no aparecen únicamente como figuras de belleza idealizada, sino como protagonistas de escenas cargadas de significado, capaces de representar la fortaleza, la sabiduría y la emancipación.
Flora (1894), de Evelyn De Morgan, representa a la diosa romana de las flores y la primavera, rodeada de vegetación y símbolos de renovación.
Evelyn De Morgan, Flora (1894). Una representación alegórica de la primavera y la renovación de la naturaleza, característica del simbolismo de la artista.
Elizabeth Siddal (1829-1862)
Pintora, dibujante y poeta británica, además de una de las modelos más conocidas del círculo prerrafaelista, su rostro quedó inmortalizado en la célebre Ofelia de John Everett Millais, para la que posó sumergida en una bañera.
Sin embargo, Siddal fue mucho más que una musa. Animada por Dante Gabriel Rossetti, con quien acabaría casándose, desarrolló una obra propia inspirada en la literatura medieval y las leyendas artúricas.
Lady Clare (1857), una acuarela inspirada en el poema de Alfred Tennyson, nos permite conocer a Siddal como artista, no como modelo.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/adf346c4-10e4-4855-b9ae-cb2c3083f9d7.jpg?w=660 Elizabeth Siddal, Lady Clare (1857). Inspirada en la poesía de Tennyson, esta acuarela refleja el interés de la artista por la literatura medieval y la expresión de los sentimientos.
El crítico John Ruskin reconoció su talento y apoyó económicamente su carrera artística. Sus dibujos y acuarelas, de líneas delicadas y gran expresividad, muestran una sensibilidad personal, alejada de la imagen idealizada que otros artistas crearon de ella.
Su vida terminó prematuramente, a los 32 años, pero hoy se reivindica su lugar como creadora y no solamente como modelo prerrafaelista.
Joanna Boyce (1831-1861)
Joanna Boyce fue una pintora británica vinculada al ambiente prerrafaelista. Desde muy joven mostró un notable talento artístico y recibió una formación poco habitual para las mujeres de su época. Estudió en Londres y amplió sus conocimientos en París, donde entró en contacto con nuevas corrientes pictóricas.
Su obra se caracteriza por la delicadeza de los retratos, la sensibilidad en la representación femenina y una especial atención al color y a la expresión psicológica de sus personajes.
En 1855 presentó su pintura Elgiva en la Royal Academy de Londres. Su trabajo despertó el interés de la crítica, que reconoció la originalidad de su estilo y su dominio técnico.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/8228dff8-e8e2-423f-bfe9-a353b3f2eaa0.jpg?w=817 Joanna Boyce, Elgiva (1855). Una de las obras más representativas de sus primeros años, en la que destaca la intensidad expresiva del retrato y la influencia de la sensibilidad prerrafaelista.
Aunque compartía con los prerrafaelistas el interés por la sinceridad artística y la observación de la naturaleza, Boyce desarrolló un lenguaje pictórico personal, alejado de la simple imitación de sus contemporáneos.
Su carrera terminó prematuramente en 1861, cuando falleció a los treinta años. A pesar de su breve trayectoria, dejó una obra que hoy permite reconocerla como una de las artistas más interesantes de la pintura victoriana.
Florence Fuller (1867-1946)
Florence Fuller fue una pintora australiana nacida en Sudáfrica, que desarrolló parte de su carrera artística en Australia y Europa. Se formó inicialmente con su tío, el pintor Robert Hawker Dowling, y posteriormente estudió en Melbourne.
Durante su estancia en Inglaterra entró en contacto con el ambiente artístico británico de finales del siglo XIX. Su pintura recibió influencias del prerrafaelismo, especialmente en la representación idealizada de la figura femenina, el simbolismo y la atención a los detalles.
Sus obras se caracterizan por una atmósfera poética y contemplativa, en la que las figuras parecen sumidas en sus pensamientos. Fuller mostró una especial sensibilidad hacia la infancia, la naturaleza y los estados emocionales.
Una de sus pinturas más conocidas es Inseparables (1900), que representa a una joven abrazando delicadamente a un gato. La composición transmite intimidad y ternura, con una delicada armonía de colores y una sensibilidad próxima al simbolismo.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/c7cffec2-4659-4186-ae11-16bb7d72eca9.jpg?w=939 Florence Fuller, Inseparables (1900). Una escena de delicada intimidad que refleja la sensibilidad de la artista y su interés por los vínculos afectivos, en una composición de atmósfera poética.
Su trayectoria artística se desarrolló entre distintos países y ambientes culturales. Aunque alcanzó reconocimiento durante su vida, su obra cayó posteriormente en un relativo olvido.
Hoy, Florence Fuller es reconocida como una figura importante de la pintura australiana de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Aunque perteneció a una generación posterior, su obra muestra influencias del prerrafaelismo, especialmente en la representación de la figura femenina, el simbolismo y la atención al detalle. Su vinculación con el movimiento fue principalmente artística y estilística, sin que formara parte de la Hermandad Prerrafaelita.
Lucy Madox Brown (1843-1894)
Lucy Madox Brown fue una pintora y escritora británica vinculada al círculo prerrafaelista. Era hija del pintor Ford Madox Brown, uno de los artistas más próximos a la Hermandad Prerrafaelita, aunque nunca perteneció formalmente a ella.
Creció en un ambiente familiar profundamente artístico y recibió formación de su padre, junto con su hermana Catherine. Desde joven mostró interés por la pintura histórica, la literatura y las escenas inspiradas en el pasado.
Sus composiciones se caracterizan por una cuidada ambientación, la riqueza de los detalles y una especial sensibilidad hacia los personajes femeninos. Como otros artistas del movimiento, encontró inspiración en la historia, la poesía y las grandes figuras literarias.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/ad88c381-29ec-4cf3-901f-585c2269782d.jpg?w=735 Lucy Madox Brown, Romeo y Julieta en la tumba (1870). Acuarela y gouache sobre papel. Wightwick Manor, National Trust, Reino Unido.
En 1874 contrajo matrimonio con William Michael Rossetti, escritor y crítico de arte, hermano de Dante Gabriel Rossetti y Christina Rossetti. Su relación con esta familia la situó en el corazón del ambiente cultural prerrafaelista.
Entre sus obras destaca Romeo and Juliet, una pintura inspirada en la tragedia de Shakespeare, en la que la artista recrea el universo medieval y renacentista con una delicada atención a los gestos y las emociones.
Aunque su producción pictórica fue relativamente breve, Lucy Madox Brown desarrolló también una actividad literaria y escribió sobre la vida de Mary Shelley.
Su trayectoria refleja las posibilidades y las limitaciones que encontraron muchas mujeres artistas victorianas, cuyo talento quedó frecuentemente eclipsado por el reconocimiento concedido a los hombres de su entorno.
Rebecca Solomon (1832-1886)
Rebecca Solomon fue una pintora británica nacida en Londres, en el seno de una familia judía. Se formó en la Spitalfields School of Design y recibió enseñanzas de su hermano Abraham Solomon, también pintor.
Vinculada al círculo prerrafaelista, destacó por sus retratos y escenas de la vida cotidiana, en las que abordó cuestiones como las diferencias sociales, la pobreza y la situación de las mujeres.
A diferencia de otros artistas del movimiento, que preferían los temas medievales y literarios, Solomon mostró un especial interés por los problemas de su tiempo
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/d8efdc91-0fb2-4e53-a6a3-f00a1e2c741d.jpg?w=1024 Rebecca Solomon, La institutriz (The Governess, 1851). Una escena de la vida victoriana que refleja la posición ambigua de las institutrices, mujeres educadas que trabajaban en hogares acomodados, pero cuya situación social y económica era frecuentemente precaria.
Sus pinturas combinan una cuidada técnica con una mirada crítica hacia la sociedad victoriana. Fue una de las pocas mujeres que consiguieron exponer regularmente en la Royal Academy de Londres durante aquellos años.
Su obra constituye un valioso testimonio de cómo las artistas podían utilizar la pintura no solo para representar la belleza, sino también para cuestionar las convenciones sociales.
Más allá de las musas: el legado de las prerrafaelistas
Durante mucho tiempo, la historia del prerrafaelismo se escribió principalmente a través de los nombres de sus grandes representantes masculinos. Las mujeres aparecían en ella como modelos, esposas, colaboradoras o fuentes de inspiración, mientras sus propias creaciones permanecían en segundo plano.
Sin embargo, detrás de aquellos rostros inmortalizados en tantos cuadros existían pintoras, fotógrafas, ilustradoras y diseñadoras que contribuyeron decisivamente a la riqueza del movimiento.
Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan, Emma Sandys, Julia Margaret Cameron o May Morris, entre muchas otras, desarrollaron lenguajes artísticos personales y encontraron diferentes caminos para expresar su creatividad.
Algunas se inspiraron en la literatura medieval, la poesía y la mitología; otras dirigieron su mirada hacia la naturaleza, la vida cotidiana o las desigualdades sociales. También hubo quienes reivindicaron la importancia del bordado y las artes decorativas, ampliando los límites de lo que tradicionalmente se consideraba arte.
Sus trayectorias estuvieron condicionadas por las restricciones educativas y profesionales de la sociedad victoriana, pero sus obras demuestran que fueron mucho más que figuras secundarias de un movimiento protagonizado por hombres.
La exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), presentada por la Fundación MAPFRE en Madrid, nos invita a contemplar este universo artístico desde una perspectiva diferente: la de unas mujeres que no solo inspiraron belleza, sino que también fueron capaces de crearla.
Porque las mujeres del prerrafaelismo no fueron únicamente musas. Fueron, ante todo, artistas.
Bibliografía y fuentes de referencia
● Fundación MAPFRE. Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914). Información y materiales de la exposición presentada en Madrid. https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/
● Tate (Londres). Colecciones y estudios sobre el prerrafaelismo, Elizabeth Siddal, Joanna Boyce y otras artistas británicas del siglo XIX. https://www.tate.org.uk/
● National Portrait Gallery (Londres). Información biográfica y obras fotográficas de Julia Margaret Cameron. https://www.npg.org.uk/
● The De Morgan Collection. Colección y documentación sobre la vida y la obra de Evelyn De Morgan. https://www.demorgan.org.uk/
● Victoria and Albert Museum (Londres). Colecciones y estudios sobre el movimiento Arts and Crafts, William Morris y May Morris. https://www.vam.ac.uk/
● Musée d’Orsay (París). Colecciones de pintura del siglo XIX y documentación sobre el arte británico de la época. https://www.musee-orsay.fr/
● Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum (Nueva York). Colecciones de diseño textil y artes decorativas relacionadas con el movimiento Arts and Crafts. https://www.cooperhewitt.org/
Bibliografía complementaria
● Marsh, Jan. Pre-Raphaelite Women: Images of Femininity in Pre-Raphaelite Art. Londres, 1987.
● Marsh, Jan, y Pamela Gerrish Nunn. Pre-Raphaelite Women Artists. Manchester City Art Galleries, 1997.
● Prettejohn, Elizabeth. The Art of the Pre-Raphaelites. Tate Publishing, 2000.
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Publicado : 15 noviembre, 2026.
Autor : Mayte Delgado
Categorías: Música
Este artículo toma como punto de partida la exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), presentada por la Fundación MAPFRE en Madrid, y amplía su recorrido con información biográfica y obras de las artistas vinculadas al movimiento. Algunas de las imágenes reproducidas tienen carácter ilustrativo y no corresponden necesariamente a las piezas expuestas.
Con este lema, la sala Mapfre de Madrid propone una nueva lectura del movimiento prerrafaelista, surgido en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX, en el que los artistas buscaban romper con las convenciones del arte académico.
La exposición Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914), nos permite recuperar a creadoras que durante mucho tiempo quedaron a la sombra de sus compañeros.
En la exposición se pone de relieve la aportación fundamental de las mujeres artistas, históricamente eclipsada por el protagonismo otorgado a sus representantes masculinos.
¿Qué es el prerrafaelismo?
El prerrafaelismo nació en Gran Bretaña en 1848, cuando siete jóvenes aspirantes a artistas fundaron la Hermandad Prerrafaelita. Estaban contra las normas de la Royal Academy y su nombre ya lo decía todo: buscaban su inspiración en el arte anterior a Rafael (1483-1520), el gran referente del gusto académico. Miraban a la pintura bajomedieval y a maestros del norte como Durero.
Entre sus protagonistas estaban John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, y después se sumaron Ford Madox Brown, Edward Burne-Jones y William Morris. Su gran defensor fue el crítico John Ruskin. Presentaron sus obras en público por primera vez en 1849.
La Hermandad se disolvió en 1853, pero sus ideas duraron décadas: observación minuciosa de la naturaleza, sinceridad y rechazo de las fórmulas académicas.
Las mujeres del prerrafaelismo
La Hermandad solo admitía hombres. Aun así, muchas mujeres trabajaron dentro del movimiento como pintoras, ilustradoras, fotógrafas, diseñadoras o escritoras. Durante más de un siglo la historia del arte las recordó sobre todo como modelos y musas. Su reivindicación empezó con los estudios feministas de los años ochenta, y esta exposición es la revisión más reciente de ese trabajo.
La exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), de la Fundación MAPFRE, recupera el talento de las mujeres que participaron en este movimiento artístico británico. Pintoras, fotógrafas y diseñadoras desafiaron las limitaciones de su época y encontraron en el arte una forma de expresión propia. Sus obras, inspiradas en la naturaleza, la literatura y el mundo medieval, revelan una contribución fundamental al prerrafaelismo y al movimiento Arts and Crafts.
La muestra presenta a más de cuarenta creadoras, entre ellas Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Julia Margaret Cameron, May Morris, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan, Emma Sandys y Eleanor Fortescue-Brickdale.
¿Como consiguieron formarse y exponer sus obras ?
Las mujeres encontraban importantes restricciones para acceder a la enseñanza artística académica, especialmente al estudio anatómico y al dibujo del desnudo.
Según los textos de la exposición, el prerrafaelismo les ofrecía una vía alcanzable. Se basaba en la observación directa y el esfuerzo individual, no en una erudición académica que no podían adquirir.
Por eso muchas pintaron lo que tenían a mano: jardines, paisajes cercanos, interiores domésticos, vistas desde la ventana y retratos de su familia.
¿Qué vamos a ver en la exposición?
El recorrido tiene nueve secciones temáticas que siguen también un orden cronológico. Empieza con la influencia de Ruskin y las primeras barreras que encontraban estas artistas y termina a finales del siglo XIX, cuando cada vez más mujeres podían formarse, exponer y abordar proyectos ambiciosos con voz propia.
La exposición no se limita a la pintura. Hay óleos, acuarelas, dibujos y grabados junto a fotografías, textiles, bordados, esmaltes, cerámica y vidrieras. Según la información difundida en su presentación, reúne préstamos de unas 65 colecciones públicas y privadas. Está organizada por Fundación MAPFRE en colaboración con La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent, de Roubaix (Francia).
Eleanor Fortescue-Brickdale (1872-1945)
Eleanor Fortescue-Brickdale fue una de las principales representantes de la última generación prerrafaelista. Formada en la Crystal Palace School of Art y en las escuelas de la Royal Academy de Londres, destacó como pintora e ilustradora.
Sus obras evocan el mundo medieval, las leyendas caballerescas y los amores imposibles, con un dibujo minucioso y una gran riqueza de detalles.
En El pálido semblante del amor verdadero (1899), una joven vestida de rojo recibe el homenaje de un caballero arrodillado. La escena, inspirada en el universo de Shakespeare, combina romanticismo y misterio. El contraste entre la intensidad del vestido y la actitud enigmática de la protagonista invita a reflexionar sobre la naturaleza del amor.
El pálido semblante del amor verdadero (1899). Óleo sobre lienzo del Musée d’Orsay y la imagen principal de la exposición.
Mary Severn (1801-1873)
Fue una pintora británica especializada en el retrato y la pintura de género. Desarrolló su carrera en una época en la que las mujeres encontraban numerosas dificultades para acceder a la formación artística y obtener reconocimiento profesional.
Aunque perteneció a una generación anterior a la Hermandad Prerrafaelita, su trayectoria refleja el camino abierto por las primeras artistas que consiguieron hacerse un lugar en el mundo del arte.
Su Autorretrato constituye una afirmación de su identidad como pintora. Al representarse a sí misma, Severn reivindica su condición de creadora y no solamente de modelo, en un ambiente artístico dominado por los hombres.
Mary Severn, Autorretrato (c. 1862). Óleo procedente de la National Portrait Gallery de Londres.
Julia Margaret Cameron (1815-1879)
Julia Margaret Cameron fue una de las grandes pioneras de la fotografía artística. Nacida en Calcuta, comenzó a fotografiar a los 48 años, cuando recibió una cámara como regalo de su hija.
Sus retratos, caracterizados por los primeros planos, los enfoques suaves y una intensa expresividad, rompieron con las convenciones fotográficas de su tiempo.
Relacionada con el ambiente artístico y literario victoriano, encontró inspiración en la Biblia, la poesía y las leyendas medievales, temas muy próximos al universo prerrafaelista.
Sus fotografías, a menudo protagonizadas por mujeres, poseen una atmósfera íntima y espiritual que las aproxima a la pintura. Cameron convirtió la cámara en un instrumento de creación artística, más allá de la simple reproducción de la realidad.
Julia Margaret Cameron, Retrato de Julia Jackson (1867). Fotografía de la futura madre de Virginia Woolf, ejemplo de la sensibilidad artística y la extraordinaria expresividad de los retratos de Cameron.
Emma Sandys (1843-1877)
Emma Sandys fue una pintora británica vinculada al movimiento prerrafaelista. Nacida en Norwich, recibió su primera formación artística en el entorno familiar y compartió intereses pictóricos con su hermano, el también pintor Frederick Sandys.
Se especializó en retratos femeninos de inspiración medieval y renacentista, caracterizados por la delicadeza de los rostros, la riqueza de los tejidos y la minuciosidad de los detalles.
Sus figuras, frecuentemente representadas con vestidos elaborados y expresiones melancólicas, evocan el ideal de belleza prerrafaelista, aunque poseen una personalidad propia.
Su carrera quedó truncada por su muerte prematura, a los 34 años, pero dejó una obra que merece ser reconocida más allá de la fama de su hermano.
Emma Sandys, Dulces sueños (1876). Óleo de los museos de la Universidad de Dundee; es la portada del folleto.
El movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios)
El movimiento Arts and Crafts surgió en Gran Bretaña durante la segunda mitad del siglo XIX, como reacción a la industrialización y a la producción en serie.
Impulsado por William Morris e inspirado en las ideas del crítico John Ruskin, defendía la recuperación del trabajo artesanal, la belleza de los objetos cotidianos y la unión entre arte y oficio.
Sus creadores se inspiraron en la naturaleza y en las tradiciones medievales para diseñar muebles, tejidos, bordados, vidrieras, cerámicas y papeles pintados.
May Morris desempeñó un papel fundamental en este movimiento, especialmente en la renovación del bordado artístico y en la reivindicación del trabajo de las mujeres.
El Arts and Crafts compartió con el prerrafaelismo el amor por la naturaleza, la artesanía medieval y la atención al detalle, y ejerció una importante influencia en el posterior desarrollo del modernismo.
May Morris (1862-1938)
May Morris fue una destacada diseñadora, bordadora y figura fundamental del movimiento Arts and Crafts. Hija del célebre artista y diseñador William Morris, se formó en el ambiente creativo familiar y estudió en la National Art Training School de Londres.
Con tan solo 23 años asumió la dirección del departamento de bordados de Morris & Co., donde renovó los diseños textiles inspirándose en la naturaleza, especialmente en las flores y las plantas.
Defendió el bordado como una auténtica expresión artística, más allá de su consideración tradicional como labor femenina. También luchó por el reconocimiento profesional de las mujeres y fundó, en 1907, el Women’s Guild of Arts.
Sus delicadas composiciones demuestran que las artes decorativas ocuparon un lugar esencial en el universo prerrafaelista.
May Morris, funda de cojín (c. 1900). Seda bordada sobre lino, del Cooper Hewitt de Nueva York.
John Ruskin (1819-1900)
John Ruskin fue uno de los críticos de arte y pensadores más influyentes de la Inglaterra victoriana. Defendió la observación fiel de la naturaleza, la sinceridad artística y la recuperación de los valores de la artesanía medieval.
Fue uno de los principales defensores de los prerrafaelistas, especialmente de John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti, y sus ideas influyeron profundamente en William Morris y en el movimiento Arts and Crafts.
Ruskin consideraba que el arte debía estar unido a la vida cotidiana y que la belleza no podía separarse del trabajo humano y de sus condiciones sociales.
Su pensamiento contribuyó a transformar la concepción del arte y de las artes decorativas en el siglo XIX.
Alice Boyd (1823-1897)
Alice Boyd fue una pintora escocesa vinculada al círculo prerrafaelista. Heredera del castillo de Penkill, en Ayrshire, convirtió su residencia en un lugar de encuentro para artistas y escritores.
Mantuvo una estrecha relación personal y artística con el pintor William Bell Scott, quien la animó a desarrollar su talento. Se interesó especialmente por la acuarela y la pintura de paisajes, en los que reflejó su sensibilidad hacia la naturaleza.
En Vista desde la ventana de Balcony House, la contemplación del paisaje adquiere un carácter íntimo y sereno. Su obra refleja la importancia que los prerrafaelistas concedían a la observación directa de la naturaleza y a la representación minuciosa de sus detalles.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/img_1148.jpg?w=827 Alice Boyd, Vista desde la ventana de Balcony House (1864). Un buen ejemplo de pintura «de lo cercano».
Marie Spartali Stillman (1844-1927)
Marie Spartali Stillman fue una pintora británica de origen griego y una de las figuras más destacadas de la segunda generación prerrafaelista. Estudió con Ford Madox Brown y desarrolló una larga carrera artística, primero en Gran Bretaña y después en Estados Unidos e Italia.
Antes de consolidarse como pintora, fue modelo de artistas como Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones. Sin embargo, pronto destacó por sus propias obras, inspiradas en la literatura, la historia medieval y el Renacimiento italiano.
Sus pinturas se caracterizan por la delicadeza de las figuras femeninas, la riqueza de los tejidos y una atmósfera poética y melancólica.
En Beatrice, inspirada en la figura de Beatriz de la obra de Dante, representa a una joven ensimismada ante un libro abierto, rodeada de rosas. La escena refleja la sensibilidad literaria y el refinamiento característicos del prerrafaelismo.
Marie Spartali Stillman, Beatrice. La figura de Beatriz, musa de Dante, aparece rodeada de flores y sumida en sus pensamientos, en una composición de delicada belleza.
Evelyn De Morgan (1855-1919)
Evelyn De Morgan fue una pintora británica vinculada a la segunda generación prerrafaelista. Estudió en la Slade School of Fine Art de Londres, donde recibió una formación artística poco habitual para las mujeres de su época.
Sus pinturas, inspiradas en la mitología, la literatura y la espiritualidad, destacan por sus figuras femeninas de gran elegancia, sus colores luminosos y su profundo simbolismo.
A diferencia de otros artistas prerrafaelistas, De Morgan utilizó frecuentemente la pintura para expresar sus ideas sobre la libertad, la condición femenina, la paz y la esperanza.
En sus obras, las mujeres no aparecen únicamente como figuras de belleza idealizada, sino como protagonistas de escenas cargadas de significado, capaces de representar la fortaleza, la sabiduría y la emancipación.
Flora (1894), de Evelyn De Morgan, representa a la diosa romana de las flores y la primavera, rodeada de vegetación y símbolos de renovación.
Evelyn De Morgan, Flora (1894). Una representación alegórica de la primavera y la renovación de la naturaleza, característica del simbolismo de la artista.
Elizabeth Siddal (1829-1862)
Pintora, dibujante y poeta británica, además de una de las modelos más conocidas del círculo prerrafaelista, su rostro quedó inmortalizado en la célebre Ofelia de John Everett Millais, para la que posó sumergida en una bañera.
Sin embargo, Siddal fue mucho más que una musa. Animada por Dante Gabriel Rossetti, con quien acabaría casándose, desarrolló una obra propia inspirada en la literatura medieval y las leyendas artúricas.
Lady Clare (1857), una acuarela inspirada en el poema de Alfred Tennyson, nos permite conocer a Siddal como artista, no como modelo.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/adf346c4-10e4-4855-b9ae-cb2c3083f9d7.jpg?w=660 Elizabeth Siddal, Lady Clare (1857). Inspirada en la poesía de Tennyson, esta acuarela refleja el interés de la artista por la literatura medieval y la expresión de los sentimientos.
El crítico John Ruskin reconoció su talento y apoyó económicamente su carrera artística. Sus dibujos y acuarelas, de líneas delicadas y gran expresividad, muestran una sensibilidad personal, alejada de la imagen idealizada que otros artistas crearon de ella.
Su vida terminó prematuramente, a los 32 años, pero hoy se reivindica su lugar como creadora y no solamente como modelo prerrafaelista.
Joanna Boyce (1831-1861)
Joanna Boyce fue una pintora británica vinculada al ambiente prerrafaelista. Desde muy joven mostró un notable talento artístico y recibió una formación poco habitual para las mujeres de su época. Estudió en Londres y amplió sus conocimientos en París, donde entró en contacto con nuevas corrientes pictóricas.
Su obra se caracteriza por la delicadeza de los retratos, la sensibilidad en la representación femenina y una especial atención al color y a la expresión psicológica de sus personajes.
En 1855 presentó su pintura Elgiva en la Royal Academy de Londres. Su trabajo despertó el interés de la crítica, que reconoció la originalidad de su estilo y su dominio técnico.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/8228dff8-e8e2-423f-bfe9-a353b3f2eaa0.jpg?w=817 Joanna Boyce, Elgiva (1855). Una de las obras más representativas de sus primeros años, en la que destaca la intensidad expresiva del retrato y la influencia de la sensibilidad prerrafaelista.
Aunque compartía con los prerrafaelistas el interés por la sinceridad artística y la observación de la naturaleza, Boyce desarrolló un lenguaje pictórico personal, alejado de la simple imitación de sus contemporáneos.
Su carrera terminó prematuramente en 1861, cuando falleció a los treinta años. A pesar de su breve trayectoria, dejó una obra que hoy permite reconocerla como una de las artistas más interesantes de la pintura victoriana.
Florence Fuller (1867-1946)
Florence Fuller fue una pintora australiana nacida en Sudáfrica, que desarrolló parte de su carrera artística en Australia y Europa. Se formó inicialmente con su tío, el pintor Robert Hawker Dowling, y posteriormente estudió en Melbourne.
Durante su estancia en Inglaterra entró en contacto con el ambiente artístico británico de finales del siglo XIX. Su pintura recibió influencias del prerrafaelismo, especialmente en la representación idealizada de la figura femenina, el simbolismo y la atención a los detalles.
Sus obras se caracterizan por una atmósfera poética y contemplativa, en la que las figuras parecen sumidas en sus pensamientos. Fuller mostró una especial sensibilidad hacia la infancia, la naturaleza y los estados emocionales.
Una de sus pinturas más conocidas es Inseparables (1900), que representa a una joven abrazando delicadamente a un gato. La composición transmite intimidad y ternura, con una delicada armonía de colores y una sensibilidad próxima al simbolismo.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/c7cffec2-4659-4186-ae11-16bb7d72eca9.jpg?w=939 Florence Fuller, Inseparables (1900). Una escena de delicada intimidad que refleja la sensibilidad de la artista y su interés por los vínculos afectivos, en una composición de atmósfera poética.
Su trayectoria artística se desarrolló entre distintos países y ambientes culturales. Aunque alcanzó reconocimiento durante su vida, su obra cayó posteriormente en un relativo olvido.
Hoy, Florence Fuller es reconocida como una figura importante de la pintura australiana de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Aunque perteneció a una generación posterior, su obra muestra influencias del prerrafaelismo, especialmente en la representación de la figura femenina, el simbolismo y la atención al detalle. Su vinculación con el movimiento fue principalmente artística y estilística, sin que formara parte de la Hermandad Prerrafaelita.
Lucy Madox Brown (1843-1894)
Lucy Madox Brown fue una pintora y escritora británica vinculada al círculo prerrafaelista. Era hija del pintor Ford Madox Brown, uno de los artistas más próximos a la Hermandad Prerrafaelita, aunque nunca perteneció formalmente a ella.
Creció en un ambiente familiar profundamente artístico y recibió formación de su padre, junto con su hermana Catherine. Desde joven mostró interés por la pintura histórica, la literatura y las escenas inspiradas en el pasado.
Sus composiciones se caracterizan por una cuidada ambientación, la riqueza de los detalles y una especial sensibilidad hacia los personajes femeninos. Como otros artistas del movimiento, encontró inspiración en la historia, la poesía y las grandes figuras literarias.
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/ad88c381-29ec-4cf3-901f-585c2269782d.jpg?w=735 Lucy Madox Brown, Romeo y Julieta en la tumba (1870). Acuarela y gouache sobre papel. Wightwick Manor, National Trust, Reino Unido.
En 1874 contrajo matrimonio con William Michael Rossetti, escritor y crítico de arte, hermano de Dante Gabriel Rossetti y Christina Rossetti. Su relación con esta familia la situó en el corazón del ambiente cultural prerrafaelista.
Entre sus obras destaca Romeo and Juliet, una pintura inspirada en la tragedia de Shakespeare, en la que la artista recrea el universo medieval y renacentista con una delicada atención a los gestos y las emociones.
Aunque su producción pictórica fue relativamente breve, Lucy Madox Brown desarrolló también una actividad literaria y escribió sobre la vida de Mary Shelley.
Su trayectoria refleja las posibilidades y las limitaciones que encontraron muchas mujeres artistas victorianas, cuyo talento quedó frecuentemente eclipsado por el reconocimiento concedido a los hombres de su entorno.
Rebecca Solomon (1832-1886)
Rebecca Solomon fue una pintora británica nacida en Londres, en el seno de una familia judía. Se formó en la Spitalfields School of Design y recibió enseñanzas de su hermano Abraham Solomon, también pintor.
Vinculada al círculo prerrafaelista, destacó por sus retratos y escenas de la vida cotidiana, en las que abordó cuestiones como las diferencias sociales, la pobreza y la situación de las mujeres.
A diferencia de otros artistas del movimiento, que preferían los temas medievales y literarios, Solomon mostró un especial interés por los problemas de su tiempo
https://musicaybellasartes.wordpress.com/wp-content/uploads/2026/11/d8efdc91-0fb2-4e53-a6a3-f00a1e2c741d.jpg?w=1024 Rebecca Solomon, La institutriz (The Governess, 1851). Una escena de la vida victoriana que refleja la posición ambigua de las institutrices, mujeres educadas que trabajaban en hogares acomodados, pero cuya situación social y económica era frecuentemente precaria.
Sus pinturas combinan una cuidada técnica con una mirada crítica hacia la sociedad victoriana. Fue una de las pocas mujeres que consiguieron exponer regularmente en la Royal Academy de Londres durante aquellos años.
Su obra constituye un valioso testimonio de cómo las artistas podían utilizar la pintura no solo para representar la belleza, sino también para cuestionar las convenciones sociales.
Más allá de las musas: el legado de las prerrafaelistas
Durante mucho tiempo, la historia del prerrafaelismo se escribió principalmente a través de los nombres de sus grandes representantes masculinos. Las mujeres aparecían en ella como modelos, esposas, colaboradoras o fuentes de inspiración, mientras sus propias creaciones permanecían en segundo plano.
Sin embargo, detrás de aquellos rostros inmortalizados en tantos cuadros existían pintoras, fotógrafas, ilustradoras y diseñadoras que contribuyeron decisivamente a la riqueza del movimiento.
Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan, Emma Sandys, Julia Margaret Cameron o May Morris, entre muchas otras, desarrollaron lenguajes artísticos personales y encontraron diferentes caminos para expresar su creatividad.
Algunas se inspiraron en la literatura medieval, la poesía y la mitología; otras dirigieron su mirada hacia la naturaleza, la vida cotidiana o las desigualdades sociales. También hubo quienes reivindicaron la importancia del bordado y las artes decorativas, ampliando los límites de lo que tradicionalmente se consideraba arte.
Sus trayectorias estuvieron condicionadas por las restricciones educativas y profesionales de la sociedad victoriana, pero sus obras demuestran que fueron mucho más que figuras secundarias de un movimiento protagonizado por hombres.
La exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), presentada por la Fundación MAPFRE en Madrid, nos invita a contemplar este universo artístico desde una perspectiva diferente: la de unas mujeres que no solo inspiraron belleza, sino que también fueron capaces de crearla.
Porque las mujeres del prerrafaelismo no fueron únicamente musas. Fueron, ante todo, artistas.
Bibliografía y fuentes de referencia
● Fundación MAPFRE. Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914). Información y materiales de la exposición presentada en Madrid. https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/
● Tate (Londres). Colecciones y estudios sobre el prerrafaelismo, Elizabeth Siddal, Joanna Boyce y otras artistas británicas del siglo XIX. https://www.tate.org.uk/
● National Portrait Gallery (Londres). Información biográfica y obras fotográficas de Julia Margaret Cameron. https://www.npg.org.uk/
● The De Morgan Collection. Colección y documentación sobre la vida y la obra de Evelyn De Morgan. https://www.demorgan.org.uk/
● Victoria and Albert Museum (Londres). Colecciones y estudios sobre el movimiento Arts and Crafts, William Morris y May Morris. https://www.vam.ac.uk/
● Musée d’Orsay (París). Colecciones de pintura del siglo XIX y documentación sobre el arte británico de la época. https://www.musee-orsay.fr/
● Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum (Nueva York). Colecciones de diseño textil y artes decorativas relacionadas con el movimiento Arts and Crafts. https://www.cooperhewitt.org/
Bibliografía complementaria
● Marsh, Jan. Pre-Raphaelite Women: Images of Femininity in Pre-Raphaelite Art. Londres, 1987.
● Marsh, Jan, y Pamela Gerrish Nunn. Pre-Raphaelite Women Artists. Manchester City Art Galleries, 1997.
● Prettejohn, Elizabeth. The Art of the Pre-Raphaelites. Tate Publishing, 2000.
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